El Cronicón Cinéfilo

Bienvenidos a este boletín especial de noticias.

La Epidemia de locura generalizada crece a pasos agigantados y parece no tener freno. Mientras esta imparable ola de enajenación que amenaza con invadir todos los rincones del planeta tiene totalmente desconcertada a la comunidad científica, el pánico ha cundido entre la población civil todavía no infectada y el caos empieza a reinar en las calles de todas las ciudades del mundo. Ni estamentos militares ni fuerzas y cuerpos de seguridad pueden hacerse cargo ya de una situación que se antoja catastrófica.

En las última horas, no obstante, puede haber aparecido un rayo de esperanza. Investigadores de la Universidad de Miskatonic, Providence, Rhode Island, anunciaron pocos días atrás haber dado con uno de los posibles focos de la epidemia y en estos momentos un equipo de expertos, reclutado entre los más reputado de la medicina y la psiquiatría mundial, estudian al sujeto sospechoso con el fin de hallar una rápida vía de curación.

Los servicios de investigación de nuestros informativos han tenido acceso a una de las primeras sesiones a las que fue sometido dicho sujeto, y se lo ofrecemos a continuación, en primicia exclusiva:

Sesión nº 9:
Javier Iglesias Plaza, alias JIP
Paciente varón, caucásico, 26 años. Claro trastorno disociativo. Alucinación. Nictalopía.

¿Recuerda su nombre?
Levemente… empezaba por J… creo…

¿Recuerda de dónde viene?
De un lugar cuyo nombre preferiría olvidar…

¿Sabe cómo se ganaba la vida?
Ella me ganaba a mí… yo sólo cumplía horarios…

¿Sabe por qué está aquí?
Necesito ir al lavabo… urgentemente… allá ustedes…

¿Sabe qué esperamos de usted?
Confío en que no sean respuestas… no vendo al detalle…

Bien… describa su primer recuerdo:
Un cabrón con bata verde me pegó en el culo… todavía no me he vengado… pero denme tiempo…

¿En qué le gustaba invertir su tiempo libre?
La irrealidad…

¿Hábleme de algo que le defina?
“Miré al abismo… él también me miraba…” Lo dijo un tipo con mostacho… alemán… colega mío…

Cite un libro:
Matadero 5… todo esto ya ha ocurrido, sabe…

Cite una película:
Alguien voló sobre el nido del cuco… ¡¿qué se ha creído?!...

Cite una canción:
Aquella que cantaba aquel fulano, el Mitchum… “Leaning, Leaning on the Everlasting Arms… Leaning, Leaning on the Everlasting Arms…”

Ahora vaya atrás en el tiempo… rememore un sueño:
Libre, alzando el vuelo, una paloma blanca…

¿Posee alguna habilidad especial?
Juntar letras, una detrás de otra… hasta conformar un blog… o dos…

Hábleme de ese proyecto suyo… el blog DeMENTES:
Hágalo usted… ¿usted es el comecocos, no..?

¿Cuáles fueron sus pretensiones iniciales al abrir DeMENTES?
Perder el tiempo… el mío… el suyo… el de todos… ¡ja, ja, ja!…

¿Qué nos puede decir de su cómplice en DeMENTES, J. P. Bango?
Sistemático, concienzudo, inmisericorde… no podrán escapar de él…

¿Conoce su actual paradero?
¿Cuándo fue la última vez que miró a la cara a su chófer?

¿Es consciente de las consecuencias que su obra está provocando en toda la Humanidad?
Cómo quiere que lo sepa… ¡no hay tele en este tugurio!...

Dígame… ¿Oye voces en su cabeza?
¿Cuántas sería capaz de contar?...

¿Es Dios alguna de ellas?
Cronenberg no está hecho de voz… sólo es Nueva Carne…

¿Por qué crees que DeMENTES vuelve loca a la gente?
Nosotros sólo os abrimos los ojos… todos sois locos en potencia… todos menos yo… claro… ji, ji, ji…

Fin de la Sesión 9…

Tras este escalofriante testimonio, y deseando que los loables esfuerzos de la comunidad científica tenga un pronto éxito, pasamos a otras noticias de interés, no sin antes dar paso a unos minutos publicitarios…

Resulta complicado realizar la crítica de un Fragmento de un film, de la mitad de una historia cuyo principal leit motiv, la venganza, ya quedaba parcialmente satisfecha en el estruendoso final de la primera parte y cuyo desarrollo, lo sabemos desde el principio, convergerá en un face to face concluyente y reparador.

Tarantino vuelve con el Volumen 2 a su subgénero favorito: el tarantianismo, aquel en el que los personajes –individuos despreciables y crueles, casi siempre-, se ven forzados a vivir situaciones al límite acompañados de generosas dosis de verborrea, la mayoría de las veces, autocomplaciente y, sin embargo y con el mismo compromiso, mordaz y cínica. Y lo hace por la puerta grande, tras un prólogo –ahora ya lo sabemos- excesivo pero, al mismo tiempo, esplendente y subyugador. Es, precisamente, esta bipolaridad la que convierte a la filmografía de Tarantino en una filmografía expuesta, arriesgada y visceral. Su afán por vindicar las bondades del infracine lo hace coquetear con zooms anacrónicos, planos secuencias a lo Brian de Palma, diálogos alargados hasta el extremo… y salir de todo ello airoso, con sus desproporciones y con sus indulgencias. El tipo de Cine que, con entidad propia, convierte al director norteamericano en el sucesor creativo de la Generación de los 70, el único cineasta actual capaz de plasmar iconográficamente las mejores secuencias imaginadas por un Club, el de los Cinéfagos Compulsivos, al que el Director debió pertenecer alguna vez. Y todo ello sin perder rasgo alguno de su propia identidad o estilo. Con la arrogancia de quien inicia las competiciones y los desafíos sabiéndose ganador de antemano.




Kill Bill Vol. 2 redunda las situaciones planteadas por su precuela con indudable honestidad. Se niega a repetir peleas colectivas o planificación de las secuencias de lucha, y rinde pleitesía al cine de Hong Kong con el mismo énfasis con el que antes reivindicó el japonés. No hay dibujos animados de por medio y las luchas se asemejan a los duelos de los Spaghetti Western más inspirados. Su argumento se simplifica aún más (aunque parezca increíble) reduciendo todo su metraje a la cacería que un animal herido interpretado por Uma Thurman perpetra contra su heridor, Bill, el tipo al que una vez (suponemos cercana) amó.

Y eso es lo que es precisamente Kill Bill, la cristalización de una historia de desamor mutua profesada entre dos malhechores sobrenaturales, dos asesinos (The Bride y Bill) impulsivos y feroces que se advienen a rendir sus cuentas del único modo que conocen. Pero este amor, subrepticiamente incestuoso pero explícitamente convencional, se ve adimentado por Tarantino con la introducción del personaje de B.B., un “regalo” inesperado, que subvierte las implicaciones emocionales del film hasta un extremo inimaginable, convirtiendo la última media hora del film en un apéndice ungido de contención donde lo que menos importa es la venganza (leit motiv de todo lo anterior) o el clímax violento, demostrando, otra vez más, que el bueno de Tarantino es consciente de que nos puede contar lo que quiera y como quiera sin perder ápice alguno de turbación o credibilidad, regodeándose, seguramente, de aquellos que todavía creen que existen fórmulas arquetípicas para la creación de películas de acción, de amor, o de aventura.

Todo eso y mucho más, es lo que es Kill Bill.

Lo más destacado: El duelo entre Elle y The Bride; el talento de la niña, cuya breve pero augusta ¿interpretación?, la convierte desde ya en revelación actoral del año.

Lo menos destacado: que no podamos disfrutar de una pieza (¿quizá en DVD?) la que es, con pocas dudas, la mejor película de los últimos tiempos.

Calificación: 9

Leer crítica de Kill Bill Vol. 1 en El Cronicón Cinéfilo.

Hoy toca lectura egomaniaca a propósito de uno de los temas que más me apasionan: el cine de ciencia ficción en su vertiente antiutópica y que yo, en un alarde de arrogancia, presumo de haber denominado con el neologismo de "Cine Prospectivo". El siguiente extracto pertenece a un artículo mayor "Diccionario de Constantes del Cine Prospectivo" publicado en la revista Terror Universal.

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P de Policías

Imagínese una tierra desolada por una guerra nuclear, carreteras en medio del desierto invadidas por bárbaros adictos al tunning casposo, el asesinato de una familia a la que hay que vengar y, al mismo tiempo, un uniforme de policía sobre el cuerpo de Mel Gibson, y tendrá una estampa paradigmática de un policía del futuro en toda regla, aquí, en su vertiente postapocalíptica.

Pero si no quiere que su futuro quede embargado por una violenta venganza, su destino desarraigado entre carrera de coches con turbo, camino al horizonte desértico y, más allá del trueno, sentirse protagonista de una novela de William Golding, olvide a Mel Gibson y a su fisonomía de policía caduco y enfréntese a la realidad de un Cuerpo, el policial, que en el futuro se las tendrá que ver con huelgas televisadas financiadas por bandas de gangster inmobiliarios, curiosamente, sofocadas por esquiroles con andar y pose de robot (Robocop), con jueces que detienen, juzgan y aplican su ley ejecutoria con más arbitrariedad que justicia (Juez Dredd), con policías aficionados a perseguir asesinos en terrenos virtuales (Virtuosity) o con tipos venidos del pasado que aun no olvidaron lo mal que debieron pasarlo en el instituto (Demolition Man).

Y cómo al cine le gusta la literatura más que a un niño las consolas, recogemos de Dick los policías aficionados a los ataques preventivos de Minority Report, y de Crichton, la brigada policial especializada en robótica (Runaway) para conformar una tipología adaptada, con todo su celo y rigor, a los tiempos que están por venir.

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Leer los artículos completos:

Diccionario de Constantes en el Cine Prospectivo (parte I)

Diccionario de Constantes en el Cine Prospectivo (parte II)

Para leer más artículos de J. P. Bango en Terror Universal:

El Cronicón Fantástico

Curiosa página ésta, que dice explicar, y lo hace, el argumento de 2001: Una Odisea en el Espacio. La verdad es que su explicación es una más de las que circulan por los mentideros cinéfilos y no cinéfilos y, a mi modo de entender, simplifica en exceso la substancia de tan magnífico film. No obstante, merece la pena echar un vistazo lo que puede dar de sí un corto Plug-In Flash dirigido por un equipo de personas, ciertamente, talentoso.

Fay Wray, el mito.

Vinieron de dentro de… fue el primer largometraje del canadiense David Cronenberg, después de dos experimentos en el campo del mediometraje (las polémicas Stereo y Crimes of the Future). El título español, ignora el original canadiense Shivers, y se limita a traducir la versión norteamericana (They came from within…). En algunos círculos, se la conoce con el nombre de The Paradise Murders, incluso en Argentina llegó a editarse en video con el nombre de Escalofríos.

Esta multiciplicidad de títulos aún pudo ser más estrafalaria si se hubiera admitido uno de los títulos alternativos con los que Cronenberg denominaba al film: La Orgía de Los Parásitos Asesinos, título de ascendencia explícita que, sin embargo, hubiera reducido aún más su distribución en el mercado internacional, seguramente, enmascarándolo como una producción de serie Z.



El film, cuya premisa sorprende por su audacia (los habitantes de un solitario edificio son infectados por un extraño parásito que les convierte en zombies violadores incapaces de refrenar sus impulsos sexuales), es resuelto con una cierta holgura talentosa por Cronenberg introduciendo los que van a ser los principales pilares/sustentos de su filmografía: enfermedad, instrumentos quirúrgicos, monstruos fálicos y, naturalmente, retazos de “nueva carne”:

“Roger, anoche tuve un sueño muy preocupante: en ese sueño, yo estaba haciendo el amor con un desconocido y tenía un problema porque era anciano… y se moría… y olía mal… y me resultaba repulsivo. Pero entonces, me dijo que todo era erótico, que todo era sexual, ¿sabes de qué hablo…? Me dijo que incluso la “carne vieja” era carne erótica y que el amor era una enfermedad maravillosa entre dos criaturas extrañas… que incluso morir era un acto de erotismo… que hablar era sexual… que, incluso, “existir” era algo sexual… Y yo le creí, ¿sabes?, e hicimos el amor maravillosamente…”

Cronenberg alterna momentos de gran brillantez (el clímax final alrededor del edificio Starliner: asfixiante homenaje a La noche de los muertos vivientes –tema al que volvería con su siguiente trabajo Rabia) con momentos caligráficamente irregulares (ralentizaciones de Barbara Steele, rigidez de las cámaras…), pero por encima de todo, es consciente como el que más del material conceptual que tiene entre manos. Visto en perspectiva, es envidiable la voluntad de estilo que se deducen de la mayoría de las situaciones planteadas por Cronenberg quien, por aquel entonces ya comenzaba a sentar las bases ideológicas de un Cine, hoy día, tan reconocible y admirado.

Esta monster movie singular, ha generado diversas suspicacias y leyendas -algunas de las cuales exculpadas con la posterior filmografía del autor (léase, denuncia de las enfermedades venéreas, misoginia, o, incluso, violencia de género). El propio David Cronenberg, divulgaba en una reciente entrevista a la Revista Cinefagia la anécdota que propiciara, por aquel entonces, este último rumor:

“Todavía estoy en contacto con esa actriz... y no me refiero a ese tipo de contacto. Es cierto. Es una historia larga y divertida. En realidad yo nunca he golpeado a nadie excepto a Susan Petrie, esta actriz. Eso sucedió porque ella me lo pidió y me gusta consentir a mis actores...
Ella era una actriz canadiense, muy popular, muy hermosa y una muy buena actriz. Shivers fue mi primer largometraje. Había hecho películas underground antes pero nunca había hecho una cinta profesional con todo un equipo técnico. Había hecho mis otras películas sólo y ahora tenía a muchos técnicos a mi disposición. Estaba trabajando con actores profesionales que tenían más experiencia que yo. Llegó un momento en que teníamos que hacer una escena donde su personaje debía llorar y ella me dijo que tendría que golpearla. Le pregunté por qué y me dijo que porque no podía llorar, era una película muy importante para ella, con un personaje sexy, algo superficial y se trataba de una escena muy emocional. Dijo que no tenía la técnica actoral para llorar y que por eso quería que la golpeara.

Yo no quería hacerlo, pero di la órden a los técnicos de preparar todo y entonces ella y yo fuimos a otro cuarto y todos se preguntaban a dónde había ido la actriz, oyeron los golpes y entonces ella salió llorando. La primera vez que le pegué me dijo que le tenía que pegar más fuerte, que no le estaba haciendo nada, y eso era porque yo no quería golpearla. Ella salió llorando y los técnicos no daban crédito porque nunca habían visto que yo hiciera algo semejante, no suelo gritar en el set. Se acostumbraron pronto porque había muchas escenas donde ella lloraba y llegaron a verlo como algo normal, decían: "Ah, sí, tiene que llorar otra vez, pégale y vamos a hacer la escena"

Entonces la actriz Barbara Steele llegó para hacer sus escenas. No sé si conocen a Barbara Steele. Ella hizo muchas películas de terror, trabajó con Fellini... Mide alrededor de 1.80, es una mujer muy hermosa. Llegó al set para hacer una escena con esta actriz, y no había tenido la oportunidad de visitar el set con anterioridad, y antes de que hicieran la escena, le dije: "Espera un momento, Barbara" y empecé a golpear a Susan hasta que ella empezó a llorar y se sentó junto a Barbara para hacer la escena. En ese momento Barbara dijo: "Basta, dejen de filmar" y me agarró, porque es muy alta, es más alta que yo, y dijo "Nunca había visto algo tan horrible en toda mi vida. He trabajado con Fellini, con grandes directores y nunca había conocido a un director tan cruel." Entonces yo le dije que por favor no me pegara, le expliqué que Susan me había pedido que lo hiciera. Barbara preguntó "¿En serio?", le dije que sí, y ella dijo: "¿y yo tengo que llorar en alguna escena?"

Todo un personaje, este Cronenberg, ¿verdad?

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Documentación:

Perfil de David Cronenberg

David Cronenberg y la nueva Carne: el paradójico abrazo a la abyección maquínica

David Cronenberg, y la Nueva Carne

David Cronenberg: Cuerpo, Ciencia y Arte de Vanguardia

Cronenberg en Encadenados (parte I)

Cronenberg en Encadenados (parte II)

eXistenZ, de David Cronenberg: ciberficciones para la posthumanidad

Todo empezó con un hermoso vals de Shostakovich (Suite Jazz nº 2), en medio de un baile al que ninguno de los dos debió ir.



El resto no es más que un sueño alimentado por los deseos de “lo que pudo ser”.



El testamento creativo del Kubrick más inspirado.

Tengo un gran aprecio por esta película, A.I., que se apoya en tantos y tan apasionantes pilares: cuentos infantiles (Desde Pinocho a El Mago de Oz, pasando por Alicia en el País de las Maravillas) y de terror (abandono del robot protagonista en medio de un bosque de ascendencia feérica), inteligencia artificial (emparentada con la inteligencia emocional: fruto de los avances técnicos financiados por una gran corporación), Brian Aldiss (y su cortísimo relato “Los Superjuguetes duran todo el Verano”, del que “sólo” se recoge la esencia), cine prospectivo (existencia de una sociedad ficticia y aparente enfrentada a un submundo cruel y desquiciado cuya perversión queda reflejada, a la perfección, en el espectáculo que precede a la matanza de los “mecas”), alienígenas humanistas (aficionados a la historia y a la antropología), viajes iniciáticos de envergadura destacable (que abarcan, incluso, los saltos temporales), momentos de gran afección (el intento de suicidio que acaba con el protagonista en el fondo del mar”)…



A.I. o I. A., como quieran, conserva el rastro de Stanley Kubrick (carácter episódico de la narración); del propio Spielberg (emotividad dimanante de la mirada de un niño que ansía, por encima de todo, formar parte de una familia) y de John Williams (que compone una de sus más brillantes y conmovedoras composiciones) pero, sobretodo, del gran Cine de pulsión clásica, con sus tres actos incluido, estructura que -el tantas veces infravalorado director- utiliza para dar forma y sentido a un film de culto, podéis imaginarlo, altamente recomendable.

"No importa quiénes seamos, no importa dónde vivamos, todos tenemos unos límites... a veces reales, a veces imaginados. Muchos de nosotros nos contentamos con vivir dentro de esos límites; otros están obligados a ello. Pero algunos necesitan romper esos límites, atravesarlos para salir fuera, aunque lo que les espere fuera sea algo desconocido o aterrador."



Y a pesar de Eminem y sus frases on-the-street; de Curtis Hanson perdido la inmensidad del artesanazgo hollywoodiense; de la fotografía, impecable, de la barriada que da título al film..., lo mejor de 8 Millas sigue siendo la presencia de Kim Basinger, otrora sex symbol erótico de los 80 y hoy día, insultante madre de un rapero con una indudable crisis de identidad.

Pero, ¿qué estás haciendo con tu carrera, Curtis Hanson?

Elmer Bernstein ha muerto. No hace mucho, hizo lo propio Jerry Goldsmith. El Cine se queda sin dos de sus mejores músicos y, desde luego, de dos de los clásicos. Pero el Cine sigue fabricando iconos inmortales, artistas capaces de evocar mundos extraordinarios y músicas inolvidables...

Han muerto las personas... Es hora de que la historia comience a reivindicar sus obras. Es algo que siempre envidiaremos de los tipos de talento.

Documentación:

Sobre Elmer Bernstein:



- Su Sitio de referencia (en inglés).
- Escuchar B.S.O. de Los Siete MagníficosLos Siete Magníficos
- Selección de sus mejores banda sonoras en El Poder de la Palabra
- Entrevista de Conrado Xalarbarder en Mundobso(2004)
- Entrevista a la revista Mabuse (desde Chile).

Sobre Jerry Goldsmith:



- En memoria de Jerry Goldsmith
- Selección de sus mejores banda sonoras en El Poder de la Palabra
- Biografía de Jerry Goldsmith

Radiografía hiperviolenta de una comisaría de barrio, brutal revisitación del género policiaco, The Shield, al margen de la ley, se resuelve como una serie despojada de cualquier tipo de escrúpulo e impía, no la importa rebozarse de torturas, extorsiones, venganzas, corruptelas, prevaricaciones, sobornos, asesinatos… para sentar sus bases ideológicas, la insolente variación que presenta de los policíacos televisivos al uso.

La constante ambigüedad moral y ética que afectan a las actuaciones de los personajes principales (sin excepción); los entramados que envuelven a cada uno de los capítulos y su indudable capacidad de adicción, se presentan como alicientes indefectibles de esta serie realizada para la televisión por cable (y que en España puede seguirse a través de las plataformas digitales y las televisiones autonómicas) con mal gusto y más talento del habitual.



El personaje principal, interpretado con pavorosa convicción por Michael Chiklis, actúa de cabeza visible de esta serie creada, “al margen de la ley” y de las convenciones políticamente correctas, por Shaw Ryan y Glenn Mazzara y que cuenta, entre su remesa de directores ordinarios o extraordinarios, con tipos tan poco dudosos como John Badham (juegos de Guerra), Brad Anderson (Session 9), Scott Brazil (Canción triste de Hill Street) , Gary Fleder (Impostor, Ni una palabra), Clark Johnson (Los hombres de Harrelson), Stephen Gyllenhall (Resurrection) , David Mamet (Homicidio) - quien se acerca de nuevo al género tras su participación de Canción triste de Hill Street- o, incluso, Guy Ferland (Dirty Dancing 2).

Tras tres temporadas, y una cuarta en preparación, es fácil afirmar que The Shield: Al margen de la ley es, seguramente, la mejor serie policíaca realizada para la televisión desde Miami Vice con quien además, comparte no pocos elementos comunes. Serie de referencia indispensable, en estos momentos, en una televisión cada vez más previsible y arquetípica.

Envejecer es como escalar una gran montaña: mientras se sube las fuerzas disminuyen, pero la mirada es más libre, la vista más amplia y serena

Aprovecho ésta, una de las citas de Ingmar Bergman más difundidas por la red, para vindicar la existencia de Tren de Sombras, revista electrónica dedicada al análisis de cine menos difundido con una amenidad ciertamente entrañable y, de paso, el trabajo de Alfredo Garmendia, Apuntes sobre el Cine de Bergman, indispensable analítica, en castellano, de la obra del cineasta sueco (y un trabajo magnífico).

Más documentación sobre Ingmar Bergman:

Cuaderno de Ingmar Bergman en Tijeretazos.com

Está claro que no tiene que ver nada con la compilación homónima de Asimov (a excepción de las reglas que actúan de hilo conductor y que, exageradas, justifican la refulgente última media hora del film), ni, aparentemente, con la anterior aproximación del egipcio Alex Proyas al género de ciencia ficción prospectiva, la magnífica Dark City pero, sin embargo, I, Robot puede mirar de frente a la mayoría de sus coetáneas gracias, sobretodo, a una sabia mixtura entre el cine de acción, el tech-noir de perfil bajo, y la concepción de cine-espectáculo de principios del milenio. Combinación vibrante y sugestiva que aproxima al film de Alex Proyas al Minority Report de Spielberg (y, por extensión, a la obra multifacetada de Dick) al mismo tiempo que se aleja, por fortuna, de la displicente ternura que protagonizaba la fallida El Hombre Bicentenario (Chris Colombus habemus...).



Actualización metacinéfila de alguna de los pasajes de Blade Runner –que a su vez hacía lo propio respecto al mito de Frankenstein-, o Terminator (la revolución robótica más famosa de la historia del cine hasta la irrupción estruendosa del primer Matrix), I, Robot sabe construirse un lugar en el ámbito de la ciencia ficción cinematografiada a costa de subvertir las implicaciones existenciales deducibles de la naturaleza del robot Sonny en un film de intriga policial aderezado de ingentes (y más o menos logradas) dosis de acción y desconcierto, algún que otro toque de comedia-chascarrillo made-in-Will-Smith (soportables, en todo caso) y retazos de la Teoría de la Conspiración, tan de moda en el Hollywood actual. Un film que se constituye, por derecho propio, en un divertimento cimbreante y calculado, estupendo ejemplo de lo bien que pueden llevarse los blockbuster con el respeto hacia un espectador que no tiene otro remedio que disfrutar de una obra dirigida por Alex Proyas a mayor gloria de su –suponemos compensada- cuenta bancaria y naturalmente, su propio futuro dentro de una industria que necesita, con más urgencia de la que sospechan, de más tipos como él.

Puntuación: 7

Lo más destacado: La envidiable capacidad del director para hacer digerible y plenamente satisfactorio un guión que, tratando de contentar a todos, asumía demasiados riesgos en su planteamiento y redacción.

Lo menos destacado: la poca credibilidad de alguna de las persecuciones y el carácter (ultra)ecléctico del Todo.

Últimamente he visto The Cube 2: Hypercube.

Remake anodino del film de Vincenzo Natali, que repite esquema argumental de su precedente (esta vez, permutando el cubo original por un cubo de cuatro dimensiones –tal cual-, que allí llaman Hipercubo). Para los espectadores sigue siendo un recinto de aspecto monocromático y plagado de efectos digitales donde un grupo de personajes heterogéneo pero con “algo” en común despiertan para ir sucumbiendo, uno a uno, a las perversiones del engranaje y los juegos temporales planteados por el hipercubo. Se repiten situaciones, arquetipos de personajes y tratamiento del clímax (de hecho, los personajes enloquecen al mismo tiempo) pero se pierde, sobremanera, el efecto sorpresa y el halo de misterio subyacente de la primera parte.



Como no siguen las reglas lógicas de un entorno tridimensional, los guionistas hacen y deshacen a su antojo, lo cual convierte a la película en artificiosa y maniquea que, además, se olvida de las metáforas existenciales de la precuela con la misma diligencia con la que destripa y explicita la función del hipercubo con un argumento absurdo.

Revisitación sofisticada de su precedente entonces, sólo se destaca por alguna de sus soluciones visuales, sus títulos de crédito y la fotografía de Andrzej Sekula (además Director del film), fotógrafo proveniente del entorno Tarantino, y cuyo estilo puede admirarse en la singular American Psycho (con quien guarda cierta paridad cromática, además).

Calificación: 4

Lo más destacado: que a pesar de sus defectos y lo rudimentario de su propuesta, se hace soportar sin mucha dificultad…

Lo menos destacado: la actuación de sus protagonistas y la sorpresa “final”: una vuelta de tuerca inadmisible que deja en una broma intrascendente la de El Planeta de los Simios de Tim Burton.

Últimamente también he visto, Arac Attack (Eight legged freaks):

“Revisitación” en clave humorística de las monster movies de los años 50, un subgénero que ya de por sí contenía ingentes dosis de autoparodia, poseedora de efectos digitales notables y algún que otro gag ingenioso que destaca sobre una media aritmética coaligada con la desgana creativa (lástima).



Previsible en su planteamiento y ejecución, sorprende, sin embargo, por algunos momentos de humor negro y agudo sarcasmo y, sobretodo, por la tremenda voracidad de unas arañas mutantes decididas a exterminar y deglutir a la mayoría de los habitantes del pueblo objeto de su ira.

Menos entrañable que el remake The Blob (que, supuestamente, perseguía idéntidos objetivos) o Temblores (la obra maestra de las “revisitaciones” de carácter socarronas), Arac Attack sucumbe irremediablemente ante su propia incapacidad para hacer progresar su argumento con una cierta diligencia y, naturalmente, por el nulo carisma de sus protagonistas (Scarlett Johanson incluída), incapaces de proyectar cualquier sentimiento de empatía sobre los personajes que interpretan (lo cual nos pone, irremediablemente, del lado de los arácnidos, por cierto, auténticas estrellas del film).

Punutuación: 6

Lo más destacado: Los guiños sarcásticos a la cultura de la paranoia (no sólo exclusiva de los años cincuenta) y el aire desenfadado del conjunto.

Lo menos destacado : Sabemos que podía haber dado más de sí...