El Cronicón Cinéfilo

Año nuevo vida nueva, ¿no?
Pues no. Pero dado que empiezo en esto de los weblogs un 1 de enero, qué mejor manera de hacerlo que utilizando uno de los tópicos que más odio.

Repescado de cineadictos:, como muchos de los artículos que iniciarán esta colección de artículos, os dejo este avance cinéfilo del 2004. 10 directores que darán mucho que hablar, ya lo creo.

1) Vincenzo Natali (Cypher)

Comentario: El director de Cube nos presentará, al fin, su último y esperado trabajo, Cypher, con más de un año de retraso. No defraudará a sus seguidores.

Sinopsis: Morgan Sullivan es un contable en el paro atrapado por un matrimonio sin futuro y con un solo sueño: dejar atrás su cansina existencia para embarcarse en una vida de libertad y emociones. Buscando una salida a una vida tan poco brillante y para escapar de su dominante esposa, decide incorporarse a la multinacional Digicorp y convertirse en un espía industrial. Adoptando una nueva identidad, es enviado a espiar a distintas convenciones empresariales donde tendrá que recoger, en secreto, todos los detalles y transmitirlos a Ed Finster, su desalmado jefe. Pero en el transcurso de una de sus misiones, Morgan conoce a la bella y escurridiza Rita, quien le revelará las verdaderas actividades de Digicorp.

Ficha Técnica:
Director: Vincenzo Natali
Guión: Brian King
Música: Michael Andrews
Fotografía: Derek Rogers
Intérpretes: Jeremy Northam, Lucy Liu, David Hewlett, Timothy Webber, Kari Matchett, Nigel Bennet, Nelson Tynes

2) Tim Burton (Big Fish)

Comentario: Tras el poco inspirado remake de El Planeta de los Simios, Burton vuelve a la carga con una historia con guiños al fantástico más surrealista basada en la novela homónima de Daniel Wallace.

Sinopsis: Un padre moribundo y un hijo ajustan comparten la historia de la vida del primero a través de diferentes pasajes en los que convivirá con gigantes, brujas, tempestades.

Ficha Técnica:
Director: Tim Burton
Guión: John August basado en Daniel Wallace.
Música: Danny Elfman
Fotografía: Philippe Rousselot
Intérpretes: Ewan McGregor, Albert Finney, Jessica Lange, Danny de Vito, Alison Lohman, Steve Buscemi

3) Joel Coen (The LadyKillers)

Comentario: Remake, esta vez, de una de las obras cumbres de la comedia inglesa de los años 50: El quinteto de la muerte de Alexander Mckedrick. Sin Peter Sellers, pero con Tom Hanks, los hermanos Coen siguen apostando por revitalizar los géneros clásicos

Sinopsis: Un profesor reúne a una banda de ladrones con la intención de atracar un casino. Para preparar el plan alquilan una habitación a una anciana, pero ésta descubre sus planes. Ellos entonces deciden que tienen que acabar con ella, tarea que se tornará mucho más complicada de lo que parece.

Ficha Técnica:
Director: Joel Coen
Productor: Ethan Coen
Guión: Max D. Adams, Joel Coen, Ethan Coen
Fotografía: Roger Deakins
Intérpretes: Tom Hanks, Greg Grunberg, Irma P. Hall, Ryan Hurst

4) Alejandro Amenábar (Mar adentro)

Comentario: Parece que Amenábar está dispuesto a dejar de lado el thriller psicológico, pero se niega a abandonar una de las constantes temáticas definitorias de su cine: la aceptación de la muerte. La presencia de Javier Bardem augura una nueva interpretación memorable. El secretismo que rodea a la producción aviva todo tipo de comentarios pero Amenábar, un hombre con estrella, volverá a salir victorioso.

Sinopsis: Recreación amenabariana de la vida y muerte del tetrapléjico Ramón Sanpedro, quien luchó durante 30 años por la legalización de la eutanasia.

Ficha Técnica:
Director: Alejandro Amenábar.
Guión: Alejandro Amenábar y Mateo Gil.
Intérpretes: Javier Bardem, Celso Bugallo, Joan Dalmau, Lola Dueñas, Jose María Pou, Belén Rueda.

5) Wolfgang Petersen (Troya)

Comentario: Del espectacular trailer que precedía la tercera entrega de Matrix, ya intuimos que estamos en presencia de una de las grandes superproducciones del año. Una historia épica, de amor y de aventura al servicio de la mass media que confirmará a Orlando (Legolas) Bloom como una de las nuevas estrellas de star system hollywoodiense.

Sinopsis: En la antigua Grecia, la pasión de dos de los amantes más legendarios de la historia, París, Príncipe de Troya, y Helena, Princesa de Esparta, desencadena una guerra que asolará a la civilización. El robo de Helena a su esposo (El Rey Menelao), por parte de Paris, se convertirá en una afrenta intolerable. El orgullo familiar establece que una afrenta a Menelao es una afrenta a su hermano Agamenón, el poderoso Rey de Micenas, que no tarda en reunir a todas las grandes tribus de Grecia para recuperar a Helena de manos de los Troyanos y defender el honor de su hermano. La lucha de Agamenón está corrompida por su codicia pues necesita de Troya para consolidar su imperio. Troya, la ciudad amurallada, protegida por el Rey Priamo y el Príncipe Héctor es una fortaleza inexpugnable. Un hombre, Aquiles, se erige como clave para la victoria o derrota de Troya. Aquiles está considerado el más grande guerrero vivo.

Arrogante, rebelde, Aquiles no siente lealtad hacia nadie que exceda de su propia gloria. Su insaciable ansia de fama eterna le llevará a las puertas de Troya bajo el estandarte de Argamenón. Pero será el amor quien decida su destino.

Ficha Técnica:
Director: Wolfgang Petersen
Guión: David Benioff
Música: Gabriel Yared
Fotografía: Roger Pratt
Intérpretes: Brad Pitt, Orlando Bloom, Eric Bana, Diane Kruger, Sean Bean, Peter O’Toole, Saffron Burrows.

6) Quentin Tarantino (Kill Bill Vol. 1 – Kill bill Vol. 2)

Comentario: Tarantino continúa su disección particular de los subgéneros de los años 70, que tanto influyeron en su infancia, con este film dividido en dos partes por problemas de duración.

Sinopsis: Uma Thurman es una asesina que el día de su boda es atacada los miembros de la banda de su jefe, Bill (David Carradine). Sin embargo consigue sobrevivir, aunque queda en coma. Cinco años después la mujer despierta, con un trozo de metal en su cabeza, adherida a un deseo de venganza inconsolable.

Ficha Técnica:
Director: Quentin Tarantino
Productor: Lawrence Bender, Bob Weinstein, Harvey Weinstein…
Guión: Quentin Tarantino
Música: Lily Chou Chou, R.Z.A., D. A. Young
Fotografía: Robert Richardson
Intérpretes: Uma Thurman, Daryl Hannah, David Carradine, Lucy Liu, Michael Madsen, Vivica A. Fox.

7) Takeshi Kitano (Zatoichi)

Comentario: Kitano se introduce en los entresijos del cine de época a través de la adaptación de leyenda del Samurai ciego, Zatoichi, que ya inspirara una serie televisiva de gran éxito en Japón. Con el beneplácito del jurado del Sitges-Festival Internacional de Catalunya, el que fuera cómico televisivo “Beat” Takeshi Kitano, aporta su talante creativo al denostado género de las artes marciales.

Sinopsis: Zatôichi, es un vagabundo ciego del siglo XIX que gracias al sable que esconde en su bastón, se enfrenta a una banda de samurais que están hostigando a una pequeña comunidad rural.

Ficha Técnica:
Director: Takeshi Kitano
Guión: Takeshi Kitano y Ken Shimozawa
Música: Keiichi Suzuki
Fotografía: Katsumi Yanagishima
Intérpretes: Beat Takeshi Kitano, Tadonabu Asano, Yui Natsukawa, Michiyo Oosuku…

8) Sofia Coppola (Lost in Traslation)

Comentario: Tras el éxito de crítica de su anterior film, la singular Las Vírgenes Suicidas, la hija del cineasta estadounidense, vuelve a destacarse internacionalmente con una película admirada en diferentes festivales europeos.

Sinopsis: Bob Harris es un conocido actor norteamericano cuya carrera ha caído en picado. Como necesita trabajar, acepta participar, a cambio de una generosa remuneración, en un anuncio de whisky japonés que se va a rodar en Tokio. En su primera visita a Japón, experimenta un considerable choque cultural, por lo que pasa la mayor parte del tiempo libre en su hotel. Conoce a Charlotte, una veinteañera casada con un fotógrafo de reconocido prestigio. Éste se encuentra en Tokio cumpliendo un encargo profesional, y mientras trabaja, su mujer distrae el tiempo como puede. Además del común aturdimiento ante las imágenes y los sonidos de la inmensa ciudad, Bob y Charlotte comparten el descontento con sus vidas. Poco a poco se hacen muy amigos y a medida que exploran la urbe juntos empiezan a preguntarse si su amistad se transformará en algo más.

Ficha Técnica:
Director: Sofia Coppola
Guión: Sofia Coppola
Música: Brian Reitzell, Kevin Shields, William Storkson
Fotografía: Lance Acord
Intérpretes: Scarlett Johansson, Bill Murray, Akiko Takeshita…

9) Pedro Almodóvar (La mala educación)

Comentario: Almodóvar vuelve a recrear, de forma inconsciente, su infancia en este nuevo film que pretende consolidar aún más su carrera internacional.

Ficha Técnica:
Director: Pedro Almodóvar
Guión: Pedro Almodóvar.
Intérpretes: Gael García Bernal, Fele Martínez, Francisco Boira, Javier Cámara, Daniel Giménez Cacho.

10) Alejandro Gonzalez Iñarritu (21 gramos)

Comentario: Tras la exitosa Amores Perros, el cineasta mexicano vuelve a desectructurar los cánones narrativos en beneficio de una historia coral de aires trágicos que

Sinopsis: El profesor universitario Paul Rivers (Sean Penn) y su esposa Mary (Charlotte Gainsbourg) ven cómo su relación se balancea entre la vida y la muerte. Él está mortalmente enfermo y espera un transplante de corazón, mientras que ella quiere concebir un hijo suyo por medio de la inseminación artificial. Olvidado su turbulento pasado, Christina Peck (Naomi Watts) tiene una vida familiar llena de esperanza y alegría: tiene a su hermana Claudia (Clea Du Vall), a su marido Michael (Danny Huston) y a sus dos hijitas. De extracción social mucho más modesta, el ex-convicto y ahora firme creyente Jack Jordan (Benicio del Toro) y su mujer Marianne (Melissa Leo) luchan por sacar adelante a sus dos hijos. Un trágico accidente hace que las vidas de estas tres parejas entren en una misma órbita y obliga a Paul a afrontar su mortalidad, pone a prueba la fe de Jack, y hace que Cristina se mueva para arreglar su presente y quizá su futuro. El equilibrio espiritual de cada uno de ellos puede resultar muy costoso para los demás. Pero ninguno de ellos pierde la voluntad de vivir y el instinto de apoyarse en otra persona.

Ficha Técnica:
Director: Alejandro González Iñarritu
Guión: Guillermo Arriaga
Productores: Alejandro Gonzáelz Iñárritu y Robert Salerno
Productor Ejecutivo: Ted Hope
Música: Gustavo Santaolalla
Intérpretes: Sean Penn, Naomi Watts; Benicio del Toro, Charlotte Gainsbourg,
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Posiblemente una de las películas del año 2003. ¿Creen que exagero?
Visionenla.

"Buscando un nuevo modo de hacer un cine de animación que no discrimine a los adultos, la factoría Pixar, como ya hiciera en su momento el marciano Miyakaki, se dedica a promover productos artísticos de una envergadura creativa formidable, obras repletas de imaginación e inventiva donde el aburrimiento es una especie perversa que se combate, con énfasis, desde el primer plano de cada film. Buscando a Nemo es la culminación absoluta de esta quimérica propuesta, una película de aventura total, una ocean-movie de ritmo incesante que narra la historia de un padre que, obsesionado por la seguridad de su retoño (aprehensión justificada, suficientemente, en el angustioso, terrorífico prólogo del film), se ve obligado a cruzar medio océano para recuperarlo de las garras de un dentista aficionado al submarinismo que, sin desear tal afrenta, lo tiene secuestrado en su pecera.

El hecho de que los protagonistas sean habitantes del mar nos retrotrae a la memoria el universo singular de los entrañables snorkles y de algunos filmes disneyanos como Pinocho (la secuencia de la ballena) y La Sirenita (diversidad de personajes y entornos subacuáticos). Pero al contrario que aquellos, en lugar de apostar por los personajes infantilizados y la lágrima empática, Buscando a Nemo se regodea de su condición de obra mayúscula pensada por y para un público con dos dedos de frente (independientemente de su edad), y crea toda una maraña de personajes neuróticos, variopintos y singulares (impagable, en este sentido, el la terapia comandada por el tiburón Bruce), dotados de una sobresaliente capacidad para resultar creibles, y con un alto concepto de la autoparodia.

Es, sin embargo y a pesar de su condición de obra ideada para todos los públicos, un film multigenérico que entronca con el terror (su angustioso comienzo da buena fe de ello), la aventura (la búsqueda del hijo extraviado), el drama familiar y, por supuesto, la comedia descollante. Se repasan, en su entramado, conceptos de índole transgresora como el inconformismo o la consecución de la libertad a cualquier precio (magnífica la secuencia en que un apenado Gill reconoce que ha arriesgado la vida de Nemo en su afán de libertad), pero, sobretodo, destaca por la sorprendente e inusual ausencia de “personajes de inspiración malvada” en su argumento, y los que pudieran serlo, o no saben que lo son (como las gaviotas, el dentista o la sobrina de éste –cuya espectral aparición se precede de la partitura que Herrmann compuso para Psicosis) o son víctima de una terapia de arrepentimiento de resonancias grouchomarxistas (como los tiburones).

Buscando a Nemo, en fin, se rebela como un producto planeado para desencajar las mandíbulas de los niños y sus acompañantes, al tiempo que rellena su entramado con homenajes hacia el cine de Hitchcock (Los Pájaros y Psicosis) y de la Disney (Bambi, Pinocho, La Sirenita, Dumbo o El Rey León), contentando de este modo, a todos y cada uno de aquellos que se atrevan a traspasar el umbral de una película diseñada, definitivamente, por unos habitantes de otro planeta.

Calificación: 9,5

Lo más destacado: El corto que acompaña a la película; algunos gags memorables.
Lo menos destacado: Que haya quien se levante antes de finalizar los títulos de crédito.


J.P Bango"

Continuo con el repaso cinéfilo de este recién acabado año 2003, reivindicando alguna de sus películas más notables. Es el turno de la sorprendente película de aventuras intimista "Master and Commander: Al otro lado del mundo" de Peter Weir.

"Se ha acusado, injustamente, a Peter Weir de ser un director carente de estilo propio, incapaz de desarrollar rítmicamente los entramados argumentales que llegan a sus manos, que rehuye la condición de creador propia de su oficio… Quizás, lo que no saben sus detractores es que el estilo Peter Weir no proviene tanto del oficio de cineasta, sino de su preocupación por los formidables entornos en los que envuelve a sus personajes y la motivación que a éstos les inspira. En este sentido Peter Weir es un director personalísimo, una rara avis de inspiración romántica que condena a sus personajes a crecer emocionalmente en un ecosistema extraño pero sugestivo del que no podrán escapar sin comprender la urdimbre que lo sostiene. No extraña, por tanto, que Weir se oculte tras los créditos de Galipolli, El Año que vivimos peligrosamente, La Costa de Los Mosquitos, Único Testigo, Fearless y, naturalmente, la película de entorno impostado por excelencia: El Show de Truman.

Impelido por su condición de brillante narrador de contextos, Weir cuenta en Master and Commander. El otro lado del mundo, la historia de dos amigos embarcados en un velero de nacionalidad británica que lucha por restringir el dominio que, del mar, ostentan las tropas del estratega Napoleón. El uno es un tipo afortunado, Capitán experto (suponemos) de glorioso pasado, querido por sus tripulantes, de gran carisma, abnegado. El otro es un galeno dotado de una gran destreza, inquieto, entusiasta, precientífico. A ambos les une su amor por la música y el ron, la camaradería propia de una amistad cuyos orígenes nunca se explican. También se narra la historia de una persecución, de un duelo entre dos barcos y capitanes, entre dos estilos de navegación, entre dos países en contienda, entre dos tripulaciones que se temen. Pero esa historia, teóricamente el hilo conductor del film, le importa menos.

Las (contadas) escenas de batalla son impactantes, bien planificadas en su origen y rodadas con gran verosimilitud pero Weir prefiere recrearse en la anécdota, en la vida habitual de unos marineros que pasan frío, calor o miedo, echan de menos a sus esposas y cantan canciones populares antes de dormir. De este modo, el director australiano propone una visión novedosa del género de la aventura con barcos, no le importa quien fue Raoul Walsh sino cazar iguanas en las galápagos, jugar al críquet en los tiempos muertos y dejar sonar el violonchelo en alta mar. Se permite el lujo de hablar de barcos fantasmas, de corsarios, de motines, sin perder un fotograma en el rodaje de arquetipos; exhuma cine por los cuatros costados. Estructura su entramado como un gran episodio (no tiene principio ni final) donde van a tener cabida diversas intrahistorias de indudable interés argumental: Jonás y el gafe; el señuelo; las islas galápagos... y rehuye, seguramente porque parte de una base literaria de prospección popular, los personajes almibarados y distantes.

Master… es un film magnífico, afectado de un bello lirismo, singular en todo cuanto propone. Es una película que departe con la amistad y con la guerra, con los lagartos y las espadas, con el mismo compromiso y rigor. El director australiano disecciona el hábitat en el que los personajes se desenvuelven con una precisión de cirujano cardiovascular, mostrando sin ningún rubor y a modo de docudrama, el lado oculto de toda gran aventura: su cotidianidad. Y nos la ofrece sin ningún miramiento (véase la amputación del brazo de uno de los jóvenes protagonistas), sin renunciar a la aventura y sin efectismos. No ganará ningún oscar importante (quizá el de Crowe, más moderado que de costumbre aunque con los mismos gestos autocomplacientes de siempre; seguramente el de Paul Bettany) pero servirá para reivindicar el trabajo de un director que no merece pasar más tiempo en las cenagosas simas de la infravaloración.

Lo más destacado: Las escenas de las islas galápagos; las constructivas conversaciones de los dos protagonistas; la coherencia del conjunto.

Lo menos destacado: El tono patriotero de alguno de sus discursos y la precipitada resolución de alguna de las intrahistorias.

Calificación: 8

J.P.Bango"

Será habitual, ya lo veréis, que me sumerja en el supramundo internáutico para rescatar (para promocionar, en realidad) aquellos textos, siempre fascinantes, que se atrevan a explorar el lado lúcido de la idea cinéfila. Serán Links seleccionados... para "internautas" como usted:

Mientras sigo haciendo balance de lo mejor del año que algunos, vaticinábamos -ahora sabemos que ingenuamente- a finales del 2002 como "el Año de Matrix", resulta poco convincente refrendarnos en esa idea; más y cuando, los Hermanos Wachowski apostaron por la rutina efectista para concluir la que debía ser la "gran trilogía de ciencia ficción de la década". Vuelvo a leer el excelente, e instruido, artículo que Diego Calleja publicó en Miradas de Cine y, ay, siento nostalgia de lo que el Conjunto pudo haber sido...

...Y, finalmente, no fue.

En Retorno al pasado(Out of Past, 1947), Jacques Tourneur se regodea de su condición de gran cineasta: juguetea con las sombras y con el encuadre, y plantea un conflicto moral de altos vuelos a sus protagonistas al ponerlos de bruces contra su propio pasado. Eleva a la categoría de Obra Cumbre un film planteado por un pequeño estudio, y muestra el paradigma de la Femme Fattale en todo su esplendor.

"Ve y mírala a los ojos y si no sientes nada, regresa"

Escribe, acertadamente, Sara Rodríguez Mata para Terror Universal que “Producto de la misoginia y del ensueño de algunos cineastas masculinos, la femme fatale en el cine negro quedó materializada como un personaje realista y onírico al mismo tiempo y representó, de algún modo, los deseos ocultos que subyacían al cumplimiento cotidiano" y uno no puede dejar de pensar en Fritz Lang y La Mujer del Cuadro, y sobretodo en un Edward G. Robinson sobrepasado por el peso de una infidelidad que lo tiene sumergido en un pozo de culpabilidad insondable.



El Film Noir sucumbe a las perversiones de la modernidad y sólo se atreve a ofrecer autorreferentes (Melodía de Seducción; Instinto Básico; L.A. Confidencial). Hay quien sigue esperando a la resurrección. Ya les digo yo que Tourneur, Joseph H. Lewis, o Lang son inclonables.

"Aquel día me estremecí. Ocurrió en un cine de una localidad, tan pequeña, que le cuesta ubicar su identidad en un mapa. Estaba sólo. O casi. Creerme: pocas cosas son más grandes que una sala de cine vacía. Pero no me importaba: ni la soledad ni la oquedad de aquel recinto. El Cine tenía una oportunidad idónea para reivindicarse y, os aseguro, que no la desaprovechó. El entorno quedó relegado a los establos de la intrascendencia nada más comenzar la película y ahí se quedó hasta algún minuto después de los títulos de crédito. El Cine, el buen Cine, había podido conmigo una vez más. Entre medias, había visto, admirado, sentido El Viaje de Chihiro de Miyazaki. No exagero cuando digo que me costó reencontrarme con la realidad.

El Viaje de Chihiro es un film realizado con las tripas. Reivindicación formidable del mundo de la ilusión, ajuste de cuentas incontenido con el mausoleo de los “mediocres” (el de unos padres que no prevén el peligro, que se inhiben de actuar ante lo desconocido), la historia “cotidiana” de esa “casa de baños para los dioses” (ya sólo este punto de partida es magnífico, ¿verdad?), se constituye en una película infectada por unas altas dosis de imaginación. Sugiere, muestra, evoca y finalmente, estremece y emociona por igual. Ingredientes imprescindibles para configurar un Cine con textura de Gran Cine.

El film de Miyazaki tiene un referente cinematográfico, y que resiste muy bien la comparación, en Los Héroes del Tiempo/Time Bandits (Terry Gilliam 1981), : coincide en cuanto a espíritu y en cuanto a desarrollo argumental. Ambas apuestan por la aventura iniciática de sus jóvenes protagonistas, transgreden las normas físicas del tiempo o del espacio y opinan lo mismo del mundo de los mayores. En las dos, lo que triunfa es la imaginación. Los protagonistas se sumergen en un supramundo delicioso donde detrás de cada esquina puede pasar, literalmente, cualquier cosa. Desde este punto de vista, ambos films se van a identificar con el Cine en si mismo, con su esencia. La intensa emoción que sentí aquel día, pues, encontraba ahí su justificación.

No era la primera vez que me cautivaba tanto una película. Me había ocurrido con Dersu Uzala (la magistral película de Kurosawa) y, como habréis podido deducir, con Time Bandits, ambas en sus pases televisivos. Y sí, soy optimista, y se que me ocurrirá alguna otra vez. Pero, ¿por qué el Cine era capaz de emocionarme hasta ese punto?

La primera película de la que tengo recuerdos es El increible hombre menguante de Jack Arnold. Era una película que hablaba de lo insignificantes que somos los seres humanos en comparación a la complejidad y riqueza del hábitat que nos rodea. Exagerando se puede decir que ese film es un ajuste de cuentas con la humanidad, una invitación a “menguar” inconscientemente nuestra soberbia. No he vuelto a ver esa película desde aquella primera vez (la ví aproximadamente en 1985 ó 1986, con unos ocho años) y, sin embargo la recuerdo con una gran nitidez y clarividencia. Lo cierto es que, aquel día, la casualidad y Jack Arnold habían comenzado a sentar las bases de una pasión cinéfila que el tiempo, y el buen cine, se empeñó en consolidar. Recuerdo, eso sí, fragmentos de películas anteriores o simultáneas a aquella: alguna película de Tarzán con porteadores devorados por los cocodrilos o desgajados en dos por cuenta de alguna tribu indígena o cayendo por un precipicio no sin antes rebotar en alguna roca maldita (en fin, ya sabeis que el escándalo de aquellos films eran los trajes de Maureen O’Sullivan); recuerdo también la proyección de Ben-hur que era cita obligada en el colegio cada año e, incluso, un film de Woody Allen en Super 8 (después supe que era Toma el Dinero y Corre) salpicado con las risas de los míos cuando cierta lluvia impertinente atentaba contra la patética pistola de jabón de Allen. Tambien recuerdo alguna secuencia de Miguel Strogoff (probablemente la versión de Carmine Gallone, 1956) y el hecho manifiesto de que me fascinó, pero ahí no admiraba el Cine, como tal, sino la aventura: la posterior y estimulante lectura del libro de Verne me confirmó esa primera impresión. Lo cierto es que ví todas esas películas en una vieja televisión de blanco y negro que no dejaba de parpadear y, que los calores estivales no dejaban de distorsionar la mayoría de las imágenes que hoy venero... Los tiempos cambian. ¿Os creeriáis que siempre he tenido la sensación de haber visto aquellos films en color?



El Cine es un arte misceláneo (volveré algún día sobre este punto); un arte dinámico dirigido a los sentidos y que sólo adquiere su verdadero significado a través de la retroalimentación: igual que la literatura, la pintura o la fotografía. Desde este punto de vista, se puede decir que el Cine es un arte que depende, exclusivamente, de sus receptores. Más aún: van a ser los receptores del propio Cine quienes le van a atribuir un sentido. Su sentido. Y es ahí cuando entra en juego la emotividad, el estremecimiento, lo cautivador, la belleza, la exageración, el terror, lo pasional. Un “film total” es capaz de sugerir todas esas sensaciones en poco en más de hora y media de proyección. No dudéis que El Viaje de Chihiro es capaz de todo eso, y mucho más.

Sólo unos días después, en una tienda contigua al recinto comercial donde había visto El Viaje de Chihiro tuve entre mis manos el video de aquel film. Experimenté toda una colección de emociones, renovadas por la curiosidad de volver a sentir aquello que ya echaba de menos. Pero lo dejé ahí. Quizás tuve miedo de analizarla. Nada nuevo. El Cine es el refugio ideal para los miedosos. Ahora puedo deciros que era la primera vez en mi vida que un mismo film me había estremecido dos veces. Mi intelecto trató de protegerme en primer lugar, de justificarme, después. Entonces acudió a mi mente el fragmento de una bella poesía de Cernuda:

Tu justificas mi existencia/ Si no te conozco no he vivido / Si muero sin conocerte, no muero/ Porque no he vivido.

El día en el que el cine entró en mi vida, (gracias a que el entrañable Chicho Ibáñez Serrador se decidió a quitar uno de los dos rombos que casi siempre acompañaban a las películas seleccionadas para su programa “Mis terrores favoritos”), encontró, dentro de mí, un recoveco de carácter etéreo ubicado entre las tripas y el corazón. De que debió sentirse cómodo en aquel sitio ya tenéis pruebas suficientes.

J.P.Bango"

Hay tres clases de Reyes: los buenos, los malos, y los magos. Los buenos, ya lo sabéis, pertenecen al ámbito de la leyenda, crean mesas redondas para democratizar las decisiones y consienten que su mejor caballero le ponga los cuernos con su joven y bella reina. Los malos, los malvados en realidad, ansían el poder por encima de todo, coquetean con la locura, los celos, el odio; gustan de servir de basamento a William Shakespeare, y por consiguiente a Laurence Olivier, Kenneth Branagh y Orson Welles.



Los magos (ya se que algunos me diréis que todos son magos por que a ver sino como mantienen el status quo sin que se sorprenda nadie sino es por causa de conjuros mágicos) son tres: los "chorizos" que planeaban hacer honor de su condición en la esperpéntica película de Miguel Bardem (Noche de Reyes, 2001); los que Santiago Segura extermina en la Calle Preciados en la brillante "El día de la Bestia (Alex de la Iglesia, 1995) en un arrebato de ecos vengadores (No debieron portarse muy bien los "reyes" con el orondo director vasco); y los que propició, con clásico estilo de dibujos animados, la productora Cartel recientemente (Los reyes magos, 2003).

Yo, la verdad, nunca creí en ninguno.

Con más de año y medio de retraso he conseguido ver Señales (Signs) de M. Night Shyamalan. Y sí. El director de origen hindú me ha vuelto a sorprender. No hay espíritus de por medio (El Sexto Sentido), ni antagonistas de superhéroes reclamando su cuota de mercado (la mayestática El Protegido), ni siquiera hay extraterrestres en esta película de extraterrestres. Y sin embargo uno tiene la sensación de haber presenciado una invasión en toda regla. Nos invade el talento que exhuma la composición de plano de Shyamalan; su sobresaliente capacidad para la creación del clímax; la loable propuesta de plantear el epicentro de un entramado de invasiones marcionas en una zona campestre y olvidada; y, sobretodo, nos invade el afán del director de resultar dogmático (de dogma, fe, afirmación). Como película de Ciencia Ficción, Suspense y Terror, es una película de una envergadura considerable, otra visión particular de los géneros cinematográficos clásicos a las que ya nos tiene acostumbrados; como película dogmática es ultraconservadora, catequista y poco recomendable.

Pero hay una tercera lectura de esta película marciana: la lectura Paródica. Shyamalan se ha convencido también, como ya hicieron los hermanos Wachowski en Matrix Reloaded, John Carpenter en Fantasmas de Marte, Steven Spielberg en Amistad, que lo mejor que le puede hacer un director con su carrera es dejar de tomársela en serio: autohomenajearse. M. Night Shyamalan no deja de hacerlo en todos y cada uno de los planos y diálogos que componen el film. Y, creanme que es de los pocos Autores que se lo pueden permitir.

Y que dure.

He leído por ahí (prometo buscar el link) una frase extraída de la película Wall Street que merece una revisión:

"Toda batalla se basa en el engaño. Si tu enemigo es superior, evítale. Si tu enemigo está enfadado, irrítale. si estáis igualados, combate. Y sino, espera y recapacita."

Si uno no pensara que el objeto en contienda son las Acciones de una Gran Corporación hasta podía tomarse el tema en serio, ¿verdad?

(...)

En fin, me pregunto si el bueno de Charlie Sheen pereció en el aquel combate promulgado por el personaje que interpretapa Michael Douglas o si consciente de su inferioridad, recapacita sobre su propio futuro en espera de que el agente de Tarantino llame a su puerta.

Recientemente, he podido volver a visionar La Presa, 1981 de Walter Hill (La compañía Bravo/Souhtern Comfort) y, he de reconocer, que sigue manteniendo todo su interés.

"Guionista exitoso a principios de los 70 (La Huida/The Getaway: Sam Peckinpah, 1972, El hombre de Mackintosh/The Mackintosh man: John Huston, 1973, Con el agua al cuello/ Drowning Pool: Stuart Rosenberg, 1975…), Walter Hill es el más olvidado de aquella inolvidable generación de cineastas que revolucionó a la industria de Hollywood en tiempo simultáneo a la infausta Guerra de Vietnam. Desarrolló el comienzo de su carrera de forma paralela (en muchos sentidos) a la de su compatriota Oliver Stone pero con un sentido de la oportunidad menos agudizado que, por ejemplo, le hizo apostar por el western (Forajidos de Leyenda/Long riders, 1980; Gerónimo. Una leyenda/Geronimo, an american legend, 1993 ; Wild Bill, 1996) coincidiendo con las épocas de mayor declive del género. Inoportuno, pues, por despecho, Walter Hill se ha visto incapaz de asegurarse un hueco en el selecto club de los directores de serie A, a pesar de que ha sabido concatenar, como cualquiera de aquéllos, el carácter de autor (Cruce de caminos/Crossroads, 1986, Last Man, 1996; El Tiempo de los intrusos/Trespass, 1993) con una vocación eminentemente comercial (Límite: 48 horas/48 hours, 1982; Calles de Fuego/Streets of FIRE, 1984). Influenciado por los últimos filmes de Robert Aldrich y Sam Peckinpah, heredero directo de su contundencia visual, Walter Hill inauguró con la magnífica El Luchador/Hard times, 1976 una carrera filmográfica prometedora que se cerraría, por el momento, con la autorreferencial producción alemana Invicto/Undisputed, 2001. Pero como nadie es perfecto, no ha dudado en dejar su impronta en films tan precarios como Danko: Calor Rojo/Red heat, 1988, Johnny El Guapo/Johnny Handsome, 1989 o aquella Supernova/Id., 2002, de gran presupuesto de la que, el propio director, terminaría por renegar (Y que firmó con el pseudónimo de Thomas Lee, una alternativa al habitual Alan Smithee) . Así es Walter Hill.



La Presa (En España también se la conoce con el nombre de “La compañía bravo”, en cualquier caso, poseedor de un significado totalmente alejado de su sarcástico título original: “Southern Confort”) , analiza la génesis del conflicto bélico invocando a su futilidad. Demuestra que el mal, a poco que se le provoque, encuentra su complacencia en las telarañas de lo cotidiano.

El film narra la odisea en la que se ven envueltos una cuadrilla de provincianos sometidos a los rigores del Servicio Militar (miembros de la Guardia Nacional ) en pleno ejercicio de unas maniobras discurrentes por los turbios bosques del Estado de Lousiana. Envueltos en una neblina exasperante y mientras esperan finalizar el día en una cabaña de prostitutas (sic), los jóvenes y no tan jóvenes servidores de un país en perpetuo estado de alerta, comienzan su jornada robando las canoas de unos cazadores locales (Cajuns o Acadianos: Desterrados por los ingleses desde Nueva Escocia, en el Siglo XVIII, deambularon por la costa de América del Norte hasta llegaron a los bayous -pantanos y ríos que fluyen parsimoniosamente- al oeste de Nueva Orleans. Comunidad endogámica de raíces francesas y profundamente católicos, su cultura, tradición musical y estilo de vida son, en la actualidad, de gran interés). Lejos de conformarse con el hurto (se comprometen a devolverla) utilizan sus balas de fuegueo para recrearse en la broma iniciando, para desgracia de todos ellos, una cacería maldita en la que le grupo provocador será la víctima (de ahí su título en castellano).

Acorralados en un hábitat hostil, el grupo de soldados revertirá las reglas del liderazgo cuando una bala casual acabe con la vida del jefe (una escena de ruptura tras la que, tal y como sucedía en Psicosis, puede ocurrir cualquier cosa ). Incitados a sobrevivir en una ciénaga, acosados por unos tipos habituados a perseguir a las bestias, los miembros de la Compañía Bravo tendrán que acostumbrarse a convivir con el resto de sus camaradas al tiempo que comienzan a sufrir, en sus carnes, las consecuencias de un día muy desafortunado.

El esquema argumental de La Presa sería posteriormente imitado por una multitud de películas de las que Depredador/Predator: John McTiernan, 1987 es el referente comercial más conocido. La inhabituación de la especie humana al entorno selvático se adereza, además, con elementos del cine bélico y de terror. Pero, sobretodo, Hill es capaz de constatar en imágenes, como antes lo había hecho Boorman en Deliverence, la degradación del individuo ante la amenaza: una metáfora sugerente de la guerra que toma como referente inmediato al conflicto vietnamita, con el que, de otro lado, comparte innumerables paralelismos como el carácter intruso del grupo de soldados; su total desconocimiento del hábitat que les rodea y, naturalmente, su impericia a la hora de valorar la idiosincrasia y costumbres de quienes lo moran.

La Presa resume, para bien y para mal, las constantes del cine de su autor:

a) misoginia: manifestada por contraposición en el excesivo y exclusivo protagonismo de sus personajes masculinos (Powers Boothe; Keith Carradine; Peter Coyote, Fred Ward, Carlos Brown…) y por exclusión en la utilización referencial y tópica de la mujer;

b) violencia: el cine de Walter Hill, al igual que el cine de Aldrich o Peckinpah, es un cine de afección dramática que se apoya en la violencia como instrumento adoctrinador: las heridas duelen; dimanan gran cantidad de sangre y rehuyen a la elipsis;

c) grupo en peligro: ocurría en Alien (de la que es inspirador) o en Los amos de la noche/The Warriors, 1978 (por nombrar alguno de los precedentes más inmediatos del autor) y ocurre también en La Presa y como en aquéllas, el desmembramiento del grupo será decisivo para que el enemigo recaude cabezas a menor costo;

d) caminos de aprendizaje: los personajes de Walter Hill inician un viaje hacia el interior de si mismos a costa de llevar al extremo sus vivencias; la narración in crescendo permite a Hill reventar la coraza interior de los personajes hasta dejarles expuestos ante el juicio de un espectador que recorre un camino, de todo punto paralelo, al que sufre el héroe; y e) Ry Cooder: omnipresentes en la filmografía de Hill, los acordes de guitarra del atemporal Ry Cooder son muestras significativas de la naturaleza transgresora del bueno de Walter Hill que alcanzaría su techo en el sempiterno musical Calles de fuego.

La Presa se constituye, en fin, en una buen espécimen del espíritu contracorriente del, esperemos todavía inquieto, cineasta californiano.

Calificación: 8

Lo más destacado: la atmósfera insana que acompaña la proyección y la evolución/involución que sufren los personajes: unos tipos totalmente sobrepasados por el entorno y el azar.

Lo menos destacado: el final, que recuerda a cierta etapa de la filmografía de John Milius, y el tufillo reaccionario y misógino que inspira algunos momentos puntuales de la película (los menos, afortunadamente).

J.P.Bango"

Entran ganas de verla, ¿verdad?

Al navegar sin brújula puedes quedar incrustado en un coral terregoso...

Hay dos tipos de personas: los buenos y los malos. Los buenos duermen bien, pero los malos parece que se lo pasan mejor cuando están despiertos.

El hombre consta de mente y cuerpo, pero el cuerpo es el único que se divierte

Para ti soy ateo. Para Dios, soy la fiel oposición

Para el ejército me declararon inutilísimo. Si hubiera una guerra yo sólo serviría de rehén

Te quiero contar una historia tremenda acerca de la anticoncepción oral: le dije a esa chica que si quería hacer el amor conmigo y me dijo que no

Hoy soy una estrella. ¿Qué seré mañana? ¿Un agujero negro?

...o regodearse de la verborrea imparable de, ¿ya lo habéis adivinado?, un Woody Allen en estado de gracia.

Si quieres más:

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Dicen de él que fue un dios, y que nació en Austria.

Una vez me preguntaron: ¿Es importante que un director sepa escribir?, y yo respondí: no, pero sí es útil que sepa leer.

Si el Cine consigue que un individuo olvide por dos segundos que ha aparcado mal el coche, no ha pagado la factura del gas o ha tenido una discusión con su jefe, entonces el Cine ha alcanzado su objetivo.

Del mismo modo que todo el mundo odia a Estados Unidos, todo Estados Unidos odia a Hollywood. Existe el profundo prejuicio de que todos nosotros somos tipos superficiales que ganamos diez mil dólares a la semana y que no pagamos impuestos; que nos tiramos a todas las chicas; que tenemos profesores en casa que dan clases a nuestros hijos de cómo subirse a los árboles; que cada uno de nosotros tiene dieciséis criados y que todos conducimos un Maserati. Pues sí, todo esto es verdad. ¡Aunque os muráis de envidia!



Es Billy Wilder, uno de los inmortales del Cine.



Joe. Brown: "Hablé con mamá. Se puso tan contenta que hasta lloró. Quiere que lleves su vestido de novia. Es de encaje".
Jack Lemmon: "Eh, Osgood, no puedo casarme con el vestido de tu mamá. Ella y yo ...no tenemos el mismo tipo".
Joe E. Brown: "Podemos arreglarlo".
Jack Lemmon: "Oh, no hace falta. Osgood, he de ser sincera contigo. Tú y yo no podemos casarnos".
Joe E. Brown: "¿Por qué no?.
Jack Lemmon: "Pues primero porque no soy rubia natural".
Joe E. Brown: "No me importa".
Jack Lemmon: "Y fumo. ¡Fumo muchísimo!".
Joe E. Brown: "Me es igual".
Jack Lemmon: "¡Tengo un horrible pasado!. Desde hace tres años estoy viviendo con un saxofonista".
Joe E .Brown: "Te lo perdono".
Jack Lemmon: "Nunca podré tener hijos".
Joe E. Brown: "Los adoptaremos".
Jack Lemmon: "No me comprendes, Osgood. (Se quita la peluca). Soy un hombre".
Joe E. Brown: "Bueno, nadie es perfecto" "

a)Metacritic
b)Movie Review Movie Engine
c)Online Film Critics Society...

¿Os imagináis algo así en castellano?

Es 13, y es Martes. El número de la mala suerte se une al dios de la guerra y la paranoia colectiva lo convierte en una supersticción. Atrás quedan las matanzas de templarios promovidas por Felipe IV y las altas autoridades eclesiásticas, las bodas que nunca debieron celebrarse y los hijos que no quieren nacer. Hoy es Martes, trece, y a ninguna televisión se le ha ocurrido reponer la película del mismo título de Pedro Lazaga..., ni alguna de las producciones que Sean S. Cunningham dedicó a la versión anglosajona del mito: Friday 13th. Nada nuevo. Todos sabemos que si a Jason Voorhes se le ocurriera aparecer por las televisiones de hoy día, sería incluido de inmediato en el próximo casting de Gran Hermano. ¿Y sabéis lo peor? Que tal vez haría muy buenas migas con Fresita.



¿Alguien tiene una aspirina?

Lo siento, pero no quiero ser emperador. No es lo mío

Ayer ví El Gran Dictador y, sesenta y cuatro años después de su realización, sigue siendo una experiencia cinematográfica dotada de una clarividencia prodigiosa. Como los anteriores films de Chaplin, el film mezcla la crítica social con situaciones fundamentadas en la comicidad. Lo dramáticamente cotidiano y lo puramente hilarante, se dan la mano en una película dirigida por un creador que vivió cinco décadas por encima de la mayoría de la Opinión Pública.



Nuestra ciencia nos ha hecho cínicos; nuestra inteligencia, duros y faltos de sentimientos. Pensamos demasiado y sentimos demasiado poco. Más que maquinaria, necesitamos humanidad. Más que inteligencia, necesitamos amabilidad y cortesía

Si en Tiempos Modernos, Chaplin alertaba a la humanidad del peligro de la tecnificación bruta, en El Gran Dictador hace lo propio con el creciente avance de las dictaduras en la génesis de un conflicto mundial que cambiaría para siempre el concepto de sociedad que hoy conocemos. Vista, hoy día, El Gran Dictador es una película arriesgada, necesariamente propagandística y, por encima de todo, un producto dramático diseñado por un demiurgo con vocación de cómico.

La desgracia que nos ha caído encima no es más que el paso de la avaricia, la amargura de los hombres, que temen el camino del progreso humano. El odio de los hombres pasará, y los dictadores morirán, y el poder que arrebatarón al pueblo volverá al pueblo. Y mientras los hombres mueren, la libertad no perecerá jamás

La sucesión de secuencias hilarantes, inspiradas en la comicidad del protagonista y en el talento de su puesta en escena, provocan un cierto remordimiento en todos los que hemos podido comprobar lo acertadas que eran las predicciones del Cineasta (Gas incluido).

Por tanto, en nombre de la democracia, empleemos ese poder, unámonos todos. Lucharemos por un mundo nuevo, por un mundo digno, que dará a los hombres la posibilidad de trabajar, que dará a la juventud un futuro y a los ancianos seguridad

El final rompe con el discurso cómico del film. El personaje que interpreta Chaplin se deshace del dictador que lleva dentro e, implícitamente, también se deshace del barbero judío. En la pantalla sólo queda Chaplin, Charles Chaplin, el director de cine y su célebre discurso de unificación democrática... Fue el día en el que el Cine se puso al servicio de la humanidad...

... El mismo día que, en España, se comenzaba a construir la sombra de un dictador que prohibiría este film durante más de 36 años.

(Leer discurso completo)

The taking of Pelma one two three(en España, Pelham 1,2,3,) es una vibrante película adscrita al género de catástrofes (en este caso en el metro), tan en boga en la década de los setenta, que cuenta con el protagonismo de Robert Shaw, Martin Balsam y Walter Matthau, por aquel entonces, uno de los actores fetiches de Billy Wilder quien, unos años antes, embriagado de un cinismo de ascendencia corrosiva, firmaría la descacharrante Uno, Dos, Tres en torno a un ejecutivo de la Coca-cola deseoso de abrir nuevos mercados. Al otro lado del charco, el inefable Tulio Demichelli rodaba en nuestro país un spaghetti western con un título muy descriptivo: 1, 2, 3... Dispara otra vez, que nos retrotrae, de nuevo, a la excusa argumental de este artículo y de paso, a la opera prima de Ivan Zulueta, cuyo juguetón título, parece inspirar todas las demás: Uno, dos, tres… Al escondite Inglés…, que se anticipa en tres años al serial televisivo de Chicho Ibáñez Serrador que, hoy día, se permite el lujo de batir récords de audiencia con un sugerente epitafio: 1,2,3… A leer esta vez.



Permaneciendo, como sabéis, en el subconsciente de todo espectador español que haya visto la tele desde 1972 a 1993, el anacrónico (creo yo) programa de Chicho Ibáñez Serrador (por cierto, un Gran Cineasta) ha servido de inspiración más o menos cómplice a películas tan dispares como la mallorquina Un, dos, tres… Ensaimadas cada vez, o la ignota (¿se habrá estrenado ya este film?) Un, dos, tres, ¡Taxi!, de Ricardo Aristeo. Pero por encima de todo, sorprende de puro atrevimiento, el título que en España se da a la fábula de Ron Howard, Splash. Uno, dos, tres… Splash! Se ve que los traductores españoles, temerosos de que no se entendiera la onomatopeya conformadora del título original, se dedicaron a contar los saltitos que el bueno de Tom Hanks da justo antes de su último, y mágico, chapuzón.

En fin, que cualquier excusa es buena para hablar de cine, ¿verdad?

De Blade Runner, sólo se puede ir al infinito

Todo lo que se preguntaba eran las mismas respuestas que buscamos el resto de nosotros. ¿De dónde vengo? ¿A dónde voy? ¿Cuánto tiempo tengo? Todo lo que pude hacer fue sentarme y ver como moría

Hoy es un día en el que las efemérides cinematográficas ocupan espacios en los telediarios. Lo habrán visto. Cary Grant hubiese cumplido cien años si no estuviese muerto. El actor, cuya apostura representa el paradigma del galán cinematográfico en blanco y negro por excelencia, es uno de los iconos (humanos) más representativos del séptimo arte. En si mismo, forma parte de su historia, de la Historia.



Los más acólitos seguidores de este tipo de efemérides también habrán averiguado que un día como hoy nacieron tipos tan distantes como Kevin Costner, John Boorman y “Beat” Takeshi Kitano. Sus fans pueden aprovechar la ocasión y felicitarlos. Sus agentes les agradecerán el gesto y su orgullo más aún. El resto de nosotros preferimos disfrutar de su talento y, de paso, denunciar las efemérides referidas a sus muertes. Primero, porque la muerte forma parte de la intimidad de cada uno. Segundo, porque aquel que coquetea con el Cine, el Cine se encarga de hacerlo inmortal.

Cary Grant incluido, claro.

"Siempre he preferido el reflejo de la vida a la vida misma. Si he elegido los libros y el cine desde la edad de once o doce años, está claro que es porque prefiero ver la vida a través de los libros y del cine"



Escribir es un acto solitario de concepción onanista que comporta un grado de satisfacción que dura más de cuatro segundos. Te permite descubrir caminos que nunca has recorrido, soñar con mundos idealizados, inventar quimeras autocomplacientes. Escribir es el acto de evasión clandestino que se postraba en los libros que los bomberos pirómanos de Fahrenheit 451 quemaban en aras de la preservación de su distopía.

"Cuando era crítico pensaba que una película para estar lograda debía expresar simultáneamente una concepción del mundo y una concepción del cine. Ya no soy crítico de cine y sé que resulta pretencioso escribir sobre una película que solamente he visto tres veces, pero se trata de unas primeras impresiones, de algo que me gustaría compartir. ¿Fui buen crítico? No lo sé, pero de lo que estoy seguro es de que siempre me colocaba del lado de los pateados contra los pateadores"

Pero el Cine es otra dimensión. Pone imágenes a nuestro imaginario y se dirige a todos nuestros sentidos. Da música a los melómanos, literatura a los lectores, esperanza a todos los demás. Y se permitir el lujo de poseer su propio lenguaje. Un lenguaje escrito.

Según esto, escribir sobre cine debe ser un culmen inenarrable... Pues no. Pero es la única manera que hemos encontrado los cinéfilos para apaciguar nuestra frustración de no poder hacer Cine.

Ya lo dijo Welles: "Lo peor es cuando has terminado un capítulo y la máquina de escribir no aplaude"

Para seguir disfrutando de Truffaut

Hace unos días acabé de leer La Familia de los Wurdalak, de Aleksei Tolstoi con un cierto sentido nostálgico. Los más cinéfilos habrán reconocido en el relato, el título de una de los Sketchs que componían la terrorífica película de Mario Bava, Las Tres Caras del Miedo: “El Teléfono”, “Los Wurdalak” y “La Gota de Agua”. Sketchs muy diferentes entre sí pero que contaban con un evidente denominador común: resultaban inquietantes. (Uno de los golpes de efecto del último de estos relatos es de los más efectivos de la historia del cine. Palabra).



A Mario Bava aun le quedaban un par de obras maestras por hacer pero, en aquel año de 1963, ya se había encargado de legar la película de Sketchs más recordada de la historia.

¿Y el relato? Apasionante, claro

Próximamente, iniciaré en este Cronicón Cinéfilo, una nueva sección temática denominada Monográficos. En ella, se abordarán, regularmente artículos relacionados con alguno de los temas que aparecerán en la bitácora.



Veremos que sale de todo esto.

María y el traje del obrero 11811. La sociedad vertical de METROPOLIS (1926) es una sociedad sustentada por una clase trabajadora encerrada en el subsuelo de esa gran ciudad en que se ha convertido la Metrópolis del año 2022. Arriba, disfrutando de los placeres del sol y el vino se encuentra una clase dirigente aficionada a las fiestas y a la explotación del prójimo. Instigados por una moral lúcida (personificada en el personaje de María) los laboriosos obreros de esa gran ciudad tratarán de invertir el proceso de degradación social planteando una dura batalla contra la casta dirigente.

La aportación de Lang al Cine Prospectivo fue demoledora. Como explica Maximiliano Maza en Cinema16: "Metrópolis definió para siempre la imagen de la ciudad del futuro: brillante y al mismo tiempo obscura, capaz de devorar a sus habitantes en un río de incertidumbres y de ofrecer, al mismo tiempo, un espacio para la reconciliación”.



Pero Metrópolis es más que un argumento parabólico. Representó la cúspide del Expresionismo. El cine, un arte en perpetuo proceso de regeneración, quedaba definido por su apostura formal desgajándose, definitivamente, de sus matrices (literatura, teatro, música, fotografía). Metrópolis, además, nos presentó al primer robot de la historia del Cine.

(Así se hizo Metrópolis de Fritz Lang)

No hubiera destacado sin el Cine Sonoro:

Nunca olvido una cara. Pero en su caso, estaré encantado de hacer una excepción.

La inteligencia militar es una contradicción en los términos.

La política es el arte de buscar problemas, encontrarlos, hacer un diagnostico falso y aplicar después los remedios equivocados

Disculpen si les llamo caballeros, pero es que no los conozco muy bien

No permitiré injusticias ni juego sucio, pero, si se pilla a alguien practicando la corrupción sin que yo reciba una comisión, lo pondremos contra la pared... ¡Y daremos la orden de disparar!

¡Cavad trincheras! ¡Con nuestros hombres cayendo como moscas! No tenemos tiempo para cavar trincheras. Las tendremos que comprar prefabricadas

... Pero gracias a ello, el sarcasmo forma parte de la Historia del Cine.

Más Marx

Sólo lo das importancia cuando te coge. Pero está ahí. Siempre estuvo ahí. Lo anunciaron en los medios televisivos, en los radiofónicos, en la prensa escrita. Pero todos sabemos que nada existe hasta que no lo conocemos en persona. O en Byte. O de persona a byte.

No vino sólo, lo acompañaron algunos amiguitos, uno de los cuales estropeó el artículo que en esos momentos corregía para publicarlo en la revista Terror Universal. También dice que ha hecho lo propio con otros archivos más. Demasiado ruido para una primera vez.

Se llama Blaster, un nombre que pudiera ser el personaje de una película y que, sin embargo, lo es de un gusano. ¡De un gusano mutante! Me ha obligado a parchear mi ordenador y ahora su rostro silícico se asimila más al pirata Barbarroja que a un hal 9000 cualquiera. En fin, sé que podía haber sido peor, pero a mi corazón le sigue costando encontrar el ritmo adecuado.

Se nota que no le gustan las visitas sorpresa.

La tercera parte de El Señor de los Anillos, El Retorno del Rey, se ha erigido gran triunfadora de los Globos de Oro. La tradición obliga a los quinielistas de los Oscars a convertir al film que adquiere dicha categoría, en el gran favorito para éstos y con esta condición acudirá el film de Peter Jackson a dicha gala. Y con esa condición triunfará.



El Señor de los Anillos pone film a una Trilogía conceptual por la cual ninguna de las otras dos películas sabría funcionar sin su precedente. Aunque lo cierto es que tampoco podemos hablar de una sola historia porque las versiones extendidas de los dvd´s nos impide completar el puzzle de un sólo visionado, la Saga EDSLA (a pesar de sus numerosos defectos argumentales) es un conjunto cinematográfico de ascendencia notable que nos reconcilia, sobremanera, con el universo filmográfico de un autor que, tras el patinazo (relativo) que supuso The Frighteners, creiamos haber perdido para siempre.

Y nada más lejos de la realidad.

No hubo sorpresas. Master And Commander y El Retorno del Rey serán vencedora y vencida (¿respectivamente?) en la próxima edición de los Oscar.

Curiosidades:

1) La presencia del film Seabiscuit. No es que dude de su capacidad artística para estar nominada (bueno, sí dudo). Es que desconocía, siquiera, de qué iba. Solución: aquí.

2) No se debería convertir en costumbre nominar a actrices (muy) atractivas cuando revierten su aspecto físico (aunque el personaje lo exija). Primero, porque las nominaciones no deben basarse en las costumbres. Segundo, porque es un postulado (terriblemente) anacrónico dar por supuesto que una actriz guapa (y orgullosa de su apariencia) no puede interpretar con convicción un papel de prospección dramático.



3) Howard Shore, por El Retorno del Rey, ganará el Oscar por ser el primer compositor capaz de mejorar, ostensiblemente, sus composiciones en cada una de sus secuelas. Y eso que comenzó con un listón difícil de superar, ¿verdad?

4) City of Gods (Ciudad de Dios): En busca del efecto Almodóvar. Se está convirtiendo en costumbre también, costumbre exótica. Estoy seguro que para los académicos de cine hollywoodienses somos poco menos que marcianos...

y 5) ¿Por qué coño sigo hablando de los Óscars? La respuesta el próximo 29 de febrero.

¡Oh Daisy,!, ¡Oh, Daisy!

Buscaba información en internet sobre el film de Curtis Harrington, Queen of Blood, film que inspiró el Alien de Ridley Scott, y me encontré, de repente, con una fotografía de un aviejado Basil Rathbone.

Sin más pistas, los más cinéfilos habréis reconocido en este nombre el rostro aguileño de Sherlock Holmes, personaje que Sir Basil Rathbone interpretó con una gran convicción en más de una veintena de ocasiones junto al no menos convincente Nigel Bruce (Dr. Watson). De hecho, resulta difícil no identificar al personaje creado por Conan Doyle con Basil Rathbone. No es un caso aislado. Le ocurrió lo mismo a Bela Lugosi (Drácula), Boris Karloff (Frankenstein), Raymond Burr (Perry Mason), Peter Ustinov (Hercules Poirot) y tantos otros actores que, sin saberlo, se habían apropiado de la imagen de un personaje literario en exclusiva.

Pero el cine también las devuelve y el bueno de Andy Serkis (Gollum) pasará a la historia por ser el primer actor cuya imagen ha sido sustraída por el personaje que interpretó. Ahora ya sabemos por que la computadora Hal 9000 (2001. Una odisea del Espacio) dejó su existencia cantando.

La sección "Lo Mejor de la Web" tiene como pretensión presentarles aquellas web que todo navegante (cinéfilo o no)está deseando descubrir. Gracias al fabuloso fenómeno de la serendipitividad (que algún día explicaré con más énfasis) hace poco más de un año descubrí "El Poder de la Palabra".




Ésta es, sin duda, una de las páginas que mejor encajan en esta sección.

Para comprobarlo EPDLP

En estos días inciertos en los que algunos personajillos públicos con bigote se creen profetas de un nuevo mundo, me acuerdo de los Monty Python y su Vida de Brian...



Brian: Yo no soy el Mesías. ¿Me queréis escuchar? Que no soy el Mesías. ¿Os enteráis?
Niña: ¡Sólo el verdadero Mesías negaría su divinidad!
Brian: Pues menudo lío. Vale. Yo soy el Mesías.
Gente: ¡Es Él! ¡Él es el Mesías!
Brian: ¡Ahora todos a hacer puñetas!
Gente: (...) Señor, dinos cómo se hacen las puñetas.

...Y no puedo dejar de esbozar una sonrisa por aquellos que creen que su verdad es más legítima que la de otros.

(Goya=Sí a la libertad de expresión)