Se muestran los artículos pertenecientes a Noviembre de 2004.
La Historia del Martes que fue Lunes
El día se había alumbrado con más luz de la habitual por cuenta de un dichoso decreto saboteador de nuestras rutinas diarias, de las prácticas automatizadas que despiertan los músculos y sentidos de todos aquellos que dejamos la praxis del deporte en el ocaso de nuestra adolescencia, justo en el momento que comenzábamos a hacer nuestras las proclamas del conformismo y la indolencia, en aquel lugar, vosotros también le conocéis, donde los pájaros se convierten en árboles y las revoluciones se edifican sobre letras de bancos…
Pero la luminosidad de aquel día era lo único que había cambiado: un desayuno liviano, una caminata sin sentido, un ordenador que no se dejaba utilizar, esos ojos castigados por la petulancia de unos rayos que sólo mi gato sabría ver. Y hambre a media mañana. Y llamadas de teléfono que nunca querrías atender. Y números, y más números, dónde debiera poner: esperanza, anhelos, oportunidades, lucidez, arrojo…
¿Qué de quién es el coche gris del aparcamiento…? Pues, el mío, por supuesto.
Miles de fragmentos de cristal esparcidos por el asfalto en aquel martes que parecía lunes y una luna que no era luna y unos ojos fuera de sus órbitas que comprobaban, entre sorprendidos y sarcásticos, la perversa puntería de aquel chinarro maldito, la cobardía probada de aquel que sólo había dejado por rastro las huellas de su vehículo, ¡el acelerón maldito que había quebrado en un suspiro mi recién lavado… cristal del coche!
Y un seguro que te da largas y otro que te da risa y unas llamadas que no cesan y las que tú haces y te importan ¡no las cogen!, y unos números que te delatan como el más torpe entre los torpes de cuantos gestores de algo has conocido, espejo mío, en aquella siniestra mañana…
Y el día no se enderezaba rodeado de nervios y desesperanzas, suspiros que no merecía, quebraderos de cabeza provocados por aquellos que se saben epicentros de cualquier mundo donde los favores se confunden con exigencias, la cortesía con descortesía, la humildad con servidumbre… ¡Ay!
Llegué a casa, por descontado, cené pescado y por descontado: me sentó mal. Ganó el Barça, se murió un pez, se me cayó el mando a distancia, ganará Bush, ¡me seguía doliendo el jodido cuello…!, y me arrellané en el sillón con la esperanza que esas dos gotitas de cianuro conseguirían allanarme el camino hacia la extremaunción, allí mismo como estaba, en las mismísimas Puerta(s) del Infierno de Teinosuke Kinugasa.
Gracias amigo Garci por salvarme el día.
Pero la luminosidad de aquel día era lo único que había cambiado: un desayuno liviano, una caminata sin sentido, un ordenador que no se dejaba utilizar, esos ojos castigados por la petulancia de unos rayos que sólo mi gato sabría ver. Y hambre a media mañana. Y llamadas de teléfono que nunca querrías atender. Y números, y más números, dónde debiera poner: esperanza, anhelos, oportunidades, lucidez, arrojo…
¿Qué de quién es el coche gris del aparcamiento…? Pues, el mío, por supuesto.
Miles de fragmentos de cristal esparcidos por el asfalto en aquel martes que parecía lunes y una luna que no era luna y unos ojos fuera de sus órbitas que comprobaban, entre sorprendidos y sarcásticos, la perversa puntería de aquel chinarro maldito, la cobardía probada de aquel que sólo había dejado por rastro las huellas de su vehículo, ¡el acelerón maldito que había quebrado en un suspiro mi recién lavado… cristal del coche!
Y un seguro que te da largas y otro que te da risa y unas llamadas que no cesan y las que tú haces y te importan ¡no las cogen!, y unos números que te delatan como el más torpe entre los torpes de cuantos gestores de algo has conocido, espejo mío, en aquella siniestra mañana…
Y el día no se enderezaba rodeado de nervios y desesperanzas, suspiros que no merecía, quebraderos de cabeza provocados por aquellos que se saben epicentros de cualquier mundo donde los favores se confunden con exigencias, la cortesía con descortesía, la humildad con servidumbre… ¡Ay!
Llegué a casa, por descontado, cené pescado y por descontado: me sentó mal. Ganó el Barça, se murió un pez, se me cayó el mando a distancia, ganará Bush, ¡me seguía doliendo el jodido cuello…!, y me arrellané en el sillón con la esperanza que esas dos gotitas de cianuro conseguirían allanarme el camino hacia la extremaunción, allí mismo como estaba, en las mismísimas Puerta(s) del Infierno de Teinosuke Kinugasa.
Gracias amigo Garci por salvarme el día.
Shrek 2: Hilaridad y Lucidez
La saga Shrek es cine ideado para padres acompañados de sus hijos, metacinéfilo y metacuentófilo a partes iguales, que hace de la secuencia intertextualizada, del gag de carácter cómplice, un arma de estilo propio y reconocible que lo aleja, afortunadamente, de los productos menos inteligentes de Mel Brooks o los ZAZ (o de cualquiera de sus mediocres imitadores actuales) con el mismo compromiso con el que se acerca a un cine de animación dinámico y sumamente deleitable incluso en sus momentos más grotescos (el ultradivertido gag de la nariz de pinocho) o escatológicos (las ventosidades que animan las correrías amorosas de la cariñosa pareja protagonista).
Tras un prólogo animoso en que los protagonistas retozan por el barro (sic), pasan la luna de miel en la casita de chocolate, asustan a Capurecita y se reencuentran con el charlatán de Asno, son invitados a una audiencia real con los padres de Fionna -que desconocen el actual y verdadero aspecto de la pareja protagonista- en el hollywoodiense y visionario Reino de Muy Muy Lejano.
Shrek 2 se aleja en parte de la visión sarcástica que frente a los estereotipos surgidos entre Bellas y Bestias pergueñaba la primera, redundando en los entresijos no superficiales que -dicen-, da fundamento al amor verdadero y, sobretodo, en la hiprocresía resultante de coaligar en la misma mesa a un rey de ascendencia pragmática (es una redundancia, ¿verdad?) y espúreos intereses y a un plebeyo desdichado pero valiente al que le dio por nacer feo.
Homenajes confesos, cómplices y publicitados a El padre de la Novia (lógicamente), De aquí a la Eternidad (sin duda, el más hilarante de todos con una sirena besucona usurpando el papel de Fionna), Spiderman (con beso invertido incluido), Godzilla (con unos de los monstruos gigantes más dulces de los últimos tiempos), Batman (con señal luminosa en el cielo incluida), La Máscara del Zorro (cortesía, claro está, de El Gato con Botas), La Bella y la Bestia (Un baile y un travelling y parte del hilo argumental del film), Los Fabulosos Baker Boys (mujer de vestido rojo tumbada sobre el piano), Cabaret (silla sobre escenario), Sonrisas y Lágrimas (baile sobre pradera verde), Alien (protagonizada por el histriónico Gato con Botas) se constituyen en caprichos deliciosos para espectadores cinéfilos como tú o como yo.
Sarcásticas composiciones a costa de individuos de madera con nariz de ex-presidente del gobierno, dientes de bellas durmientes empotrados contra el suelo, miguitas de pan barridas al alimón con los pequeños huesos de pulgarcita... pequeños fragmentos de malignidad que se contituyen como la concreción efectiva de una venganza contra los monstruos de nuestra niñez: personajes bienaventurados y listillos, todos ellos, que perpetuaban un mundo idealizado y ficticio donde el feo resultaba guapo; la hijastra, rica heredera; infectos ratones, bellos corceles; la rana, príncipe de revista; un beso como el mejor de los finales felices y las perdices -contra los intereses de los vegetarianos- en rico manjar devorado por tod@s.
La secuela de Shrek propone escenas muy divertidas, una narración fluida y un millón de citas y variaciones cómicas de los mitos de nuestra infancia. Cine disfrutable y lúcido que amortiza, con mucho gusto, el coste de una entrada de cine.
Lo más destacado: la naturalidad con la que se insertan los homenajes y parodias, el trabajo técnico del conjunto, el juego de sombras digitales que ornamentan la mayoría de las escenas...
Lo menos destacado: la sensación de que sus responsables solo pueden mejorar la saga Shrek en el apartado técnico.
Calificación: 8
Tras un prólogo animoso en que los protagonistas retozan por el barro (sic), pasan la luna de miel en la casita de chocolate, asustan a Capurecita y se reencuentran con el charlatán de Asno, son invitados a una audiencia real con los padres de Fionna -que desconocen el actual y verdadero aspecto de la pareja protagonista- en el hollywoodiense y visionario Reino de Muy Muy Lejano.
Shrek 2 se aleja en parte de la visión sarcástica que frente a los estereotipos surgidos entre Bellas y Bestias pergueñaba la primera, redundando en los entresijos no superficiales que -dicen-, da fundamento al amor verdadero y, sobretodo, en la hiprocresía resultante de coaligar en la misma mesa a un rey de ascendencia pragmática (es una redundancia, ¿verdad?) y espúreos intereses y a un plebeyo desdichado pero valiente al que le dio por nacer feo.
Homenajes confesos, cómplices y publicitados a El padre de la Novia (lógicamente), De aquí a la Eternidad (sin duda, el más hilarante de todos con una sirena besucona usurpando el papel de Fionna), Spiderman (con beso invertido incluido), Godzilla (con unos de los monstruos gigantes más dulces de los últimos tiempos), Batman (con señal luminosa en el cielo incluida), La Máscara del Zorro (cortesía, claro está, de El Gato con Botas), La Bella y la Bestia (Un baile y un travelling y parte del hilo argumental del film), Los Fabulosos Baker Boys (mujer de vestido rojo tumbada sobre el piano), Cabaret (silla sobre escenario), Sonrisas y Lágrimas (baile sobre pradera verde), Alien (protagonizada por el histriónico Gato con Botas) se constituyen en caprichos deliciosos para espectadores cinéfilos como tú o como yo.
Sarcásticas composiciones a costa de individuos de madera con nariz de ex-presidente del gobierno, dientes de bellas durmientes empotrados contra el suelo, miguitas de pan barridas al alimón con los pequeños huesos de pulgarcita... pequeños fragmentos de malignidad que se contituyen como la concreción efectiva de una venganza contra los monstruos de nuestra niñez: personajes bienaventurados y listillos, todos ellos, que perpetuaban un mundo idealizado y ficticio donde el feo resultaba guapo; la hijastra, rica heredera; infectos ratones, bellos corceles; la rana, príncipe de revista; un beso como el mejor de los finales felices y las perdices -contra los intereses de los vegetarianos- en rico manjar devorado por tod@s.
La secuela de Shrek propone escenas muy divertidas, una narración fluida y un millón de citas y variaciones cómicas de los mitos de nuestra infancia. Cine disfrutable y lúcido que amortiza, con mucho gusto, el coste de una entrada de cine.
Lo más destacado: la naturalidad con la que se insertan los homenajes y parodias, el trabajo técnico del conjunto, el juego de sombras digitales que ornamentan la mayoría de las escenas...
Lo menos destacado: la sensación de que sus responsables solo pueden mejorar la saga Shrek en el apartado técnico.
Calificación: 8
El Cronicón, finalista al Mejor Weblog Periodístico de Habla Hispana
Vía Noche de Cine me he enterado de que este Cronicón Cinéfilo se encuentra entre los diez finalistas al Mejor Blog Periodístico de Habla Hispanalo cual no sólo redunda mi sorpresa anterior sino que convierte a este sitio en la única weblog de cine que ha conseguido tal premio (seguramente, la única weblog con una temática tan definida). En fin, sigo sin saber quién está detrás de los postulados, nominaciones y, ulterior, selección de finalistas pero desde aquí, y en nombre de todos vosotros que apoyáis estás páginas cinéfilas, le devuelvo el respeto y la consideración tenida para con este personalísimo -insisto- weblog.
El resto de finalistas: Microsiervos, Diario de un Jabalí, Tintachina... son suficientemente conocidos por todos los visitantes habituales de la blogosfera y sin duda encajan con mayor merecimiento en la categoría comentada y, desde luego, definen las inquietudes e intereses que animan las páginas blogueras, esta subparcela internáutica repleta de egos y voluntad, tesón y ansiedad por dar a conocer los entresijos que rodean, ésta, nuestra (vuestra) cotidianidad.
En fin, ahí os dejo los enlaces para que votéis a quien queráis.
Bien Público Votar
Caspa T.V. Votar
Diario de un Jabalí Votar
El Cronicón Cinéfilo Votar
Guerra eterna en Oriente Medio Votar
Libro de Notas Votar
Magda Bandera Votar
Microsiervos Votar
Periodistas 21 Votar
Tinta china Votar
Dicen que hay premio para los votantes...
Un saludo, amigos, y gracias por estar ahí.
El resto de finalistas: Microsiervos, Diario de un Jabalí, Tintachina... son suficientemente conocidos por todos los visitantes habituales de la blogosfera y sin duda encajan con mayor merecimiento en la categoría comentada y, desde luego, definen las inquietudes e intereses que animan las páginas blogueras, esta subparcela internáutica repleta de egos y voluntad, tesón y ansiedad por dar a conocer los entresijos que rodean, ésta, nuestra (vuestra) cotidianidad.
En fin, ahí os dejo los enlaces para que votéis a quien queráis.
Bien Público Votar
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El Cronicón Cinéfilo Votar
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Dicen que hay premio para los votantes...
Un saludo, amigos, y gracias por estar ahí.
El Bosque: Misterio, Costumbrismo y Redención.
En el bosque que circunda una pequeña aldea habitan aquellos de los que no se puede hablar pero de los que no se deja de hablar (si no no habría trama, os lo podéis imaginar), entidades que poseen un pacto de no agresión con los lugareños para que éstos mantengan alejadas sus gabardinas amarillas del espectral bosque que los rodea. Esta premisa, sazonada de algunos elementos inquietantes (magnífico uso argumental de los colores) sirve al director Shyamalan para crear otra de sus composiciones misteriosas bajo la tutela efectista del agárrate-que-vienen-monstruos que suelen utilizar a) el actual cine norteamericano para amortizar sus costosas inversiones en sonidos estereofónicos de última generación, b) los montadores de los teaser y trailers promocionadores del film para incrementar, notablemente, la eficacia de su trabajo y c) los productores para repletar sus cuentas bancarias.
The Village (en castellano, El Bosque, un título fallido que da una vuelta de 360 grados al concepto primigenio del film), es una película continuista en la filmografía de M. Night Shyamalan, que repite la mayoría de sus constantes (encuadres entrópicos, puesta en escena aséptica y calculada, trampas narrativas, interpretaciones basadas en la contemplación) y que deja un rancio sabor a película ya vista (algo habitual en nuestro día a día de espectador), a obra menor concebida para la satisfacción de un público que demanda una nueva vuelta de tuerca al (es)forzado talento narrativo de su director.
Si algo caracteriza el trabajo del director de origen hindú (en cuanto a nacionalidad, no en cuanto a religión) es su poder de manipulación, su manejo del tempo narrativo, su insobornable capacidad para crear atmósferas sugerentes e inquietantes, ambientes cimentados en el suspense del "qué-va-a-pasar-a-continuación"; característica, esta última, que llevada al extremo ha transformado la naturaleza sorprendente que alimentaba las primeras obras de Shyalaman en una servidumbre rutinaria que alcanza su cénit en el forzado giro del final, tan predecible (pues sabemos que algo va a pasar) como dudosamente substancial y que, además, se permite la insolencia de revocar la interesante propuesta de cine de terror que sugería su prólogo.
No es tan tramposa como se ha dicho y/o escrito (la cámara se queda siempre del lado de los sufrientes convecinos de The Village; no tanto el montaje) ni tan brillante como la obra maestra de su autor: El Protegido (ese film que debe gustarle tanto a Sam Raimi), pero quedará olvidada en la mitad del repertorio filmográfico de un guionista, director y... productor demasiado influenciado por los victimismos definidores del cristianismo.
También, lo habréis leído por ahí, es un film de aires retrógrados aunque respetuoso (el director se dedica a mostrar las consecuencias derivadas de la elección de los habitantes del pueblo distanciándose de la promulgación propagandística de sus valores) que entronca, superficialmente, con anteriores trabajos de su director (en especial la inocua Señales), tan oscuros y maniqueos como El Bosque y al igual que éste, paradigmas de una excelente composición fotográfica, expresionista y funcional, que destaca sobremanera por encima de un conjunto al que le pesa la inconsistencia de su propuesta y un gran dosis de autocomplaciencia.
Lo más destacado: la personalidad de Shyamalan; la interpretación de su protagonista femenina; la fotografía.
Lo menos destacado: la poca sorpresa que nos da su sorpresa; el desaprovechado elenco de estrellas, en especial, Sigourney Weaver.
Calificación: 6,5
The Village (en castellano, El Bosque, un título fallido que da una vuelta de 360 grados al concepto primigenio del film), es una película continuista en la filmografía de M. Night Shyamalan, que repite la mayoría de sus constantes (encuadres entrópicos, puesta en escena aséptica y calculada, trampas narrativas, interpretaciones basadas en la contemplación) y que deja un rancio sabor a película ya vista (algo habitual en nuestro día a día de espectador), a obra menor concebida para la satisfacción de un público que demanda una nueva vuelta de tuerca al (es)forzado talento narrativo de su director.
Si algo caracteriza el trabajo del director de origen hindú (en cuanto a nacionalidad, no en cuanto a religión) es su poder de manipulación, su manejo del tempo narrativo, su insobornable capacidad para crear atmósferas sugerentes e inquietantes, ambientes cimentados en el suspense del "qué-va-a-pasar-a-continuación"; característica, esta última, que llevada al extremo ha transformado la naturaleza sorprendente que alimentaba las primeras obras de Shyalaman en una servidumbre rutinaria que alcanza su cénit en el forzado giro del final, tan predecible (pues sabemos que algo va a pasar) como dudosamente substancial y que, además, se permite la insolencia de revocar la interesante propuesta de cine de terror que sugería su prólogo.
No es tan tramposa como se ha dicho y/o escrito (la cámara se queda siempre del lado de los sufrientes convecinos de The Village; no tanto el montaje) ni tan brillante como la obra maestra de su autor: El Protegido (ese film que debe gustarle tanto a Sam Raimi), pero quedará olvidada en la mitad del repertorio filmográfico de un guionista, director y... productor demasiado influenciado por los victimismos definidores del cristianismo.
También, lo habréis leído por ahí, es un film de aires retrógrados aunque respetuoso (el director se dedica a mostrar las consecuencias derivadas de la elección de los habitantes del pueblo distanciándose de la promulgación propagandística de sus valores) que entronca, superficialmente, con anteriores trabajos de su director (en especial la inocua Señales), tan oscuros y maniqueos como El Bosque y al igual que éste, paradigmas de una excelente composición fotográfica, expresionista y funcional, que destaca sobremanera por encima de un conjunto al que le pesa la inconsistencia de su propuesta y un gran dosis de autocomplaciencia.
Lo más destacado: la personalidad de Shyamalan; la interpretación de su protagonista femenina; la fotografía.
Lo menos destacado: la poca sorpresa que nos da su sorpresa; el desaprovechado elenco de estrellas, en especial, Sigourney Weaver.
Calificación: 6,5
Críticos
Os recomiendo la magnífica reflexión que sobre el oficio de la Crítica de Cine realiza Jose C. en su, éste sí, extraordinario y paradigmático, Blog de Cine: Esa la he visto
Lucas y el Lado Oscuro de la Fuerza
Esta mañana revisaba un making off, en realidad un documental sobre los pormenores que rodearon el rodaje de la primera parte de Star Wars, el casting (con algunas curiosidades como el carácter subsidiario de Harrison Ford: por aquel entonces un actor demasiado famoso; para el film pero que había sido contratado para dar la réplica a los candidatos a los diferentes papeles), los (d)efectos especiales, la horripilante voz de David Prowse (por cierto, la criatura de Frankenstein que adorna la web DeMentes), la obstinación de Lucas por levantar un proyecto independiente en el seno de una industria acostumbrada a rechazar proyectos imaginativos.
La verdad es que viendo todo el proceso de pre-producción (Lucas luchando por la independencia del producto), de rodaje (los actores pasando las de caín en el desierto tunecino), de post-producción (música excluída), parece un milagro que el proyecto llegara siquiera a estrenarse y, más aún, que resultara el éxito universal y difícilmente discutible que aún es. Pero para levantar proyectos imposibles, para hacer del sueño de un hombre un universo disfrutable y grandioso, la magia tuvo por bien aliarse con el Cine...
Las consecuencias del esta ensoñación lucasiana (y sobretodo de las secuelas de Star Wars) ya las conocéis pues revitalizaría el Cine de los Grandes Estudios hasta convertirles en los mastodónticos vendedores de palomitas que hoy son. Pero lo mejor del documental se quedaba para el final, con un George Lucas -el tipo de había hecho de la Independencia su gran causa- engullido por los conceptos de su propio imperio, según sus propias palabras, viviendo un proceso similar al que Darth Vader había experimentado a lo largo de la saga, convirtiéndose en aquello contra lo que había luchado toda su vida.
Por eso no es difícil adivinar en las etapas de la vida de Lucas la sombra de Anakin Skywalker, aquel ingenuo muchacho que sabiéndose poseedor de la fuerza de los Jedi acaba absorbido por los efluvios del Lado Oscuro de la Fuerza: independiente para realizar cualquier proyecto que le venga en gana y, sin embargo, devorado por la servidumbre del éxito y por los influjos tentadores del poder.
Y por eso, también, me apasiona -tanto como la anterior- la nueva trilogía galáctica. Puede que Lucas haya perdido la frescura y la ingenuidad de sus primeras cintas pero nunca, ya veis, ha dejado de ajustar cuentas con su propio pasado. Justo lo que haría cualquier artista.
La verdad es que viendo todo el proceso de pre-producción (Lucas luchando por la independencia del producto), de rodaje (los actores pasando las de caín en el desierto tunecino), de post-producción (música excluída), parece un milagro que el proyecto llegara siquiera a estrenarse y, más aún, que resultara el éxito universal y difícilmente discutible que aún es. Pero para levantar proyectos imposibles, para hacer del sueño de un hombre un universo disfrutable y grandioso, la magia tuvo por bien aliarse con el Cine...
Las consecuencias del esta ensoñación lucasiana (y sobretodo de las secuelas de Star Wars) ya las conocéis pues revitalizaría el Cine de los Grandes Estudios hasta convertirles en los mastodónticos vendedores de palomitas que hoy son. Pero lo mejor del documental se quedaba para el final, con un George Lucas -el tipo de había hecho de la Independencia su gran causa- engullido por los conceptos de su propio imperio, según sus propias palabras, viviendo un proceso similar al que Darth Vader había experimentado a lo largo de la saga, convirtiéndose en aquello contra lo que había luchado toda su vida.
Por eso no es difícil adivinar en las etapas de la vida de Lucas la sombra de Anakin Skywalker, aquel ingenuo muchacho que sabiéndose poseedor de la fuerza de los Jedi acaba absorbido por los efluvios del Lado Oscuro de la Fuerza: independiente para realizar cualquier proyecto que le venga en gana y, sin embargo, devorado por la servidumbre del éxito y por los influjos tentadores del poder.
Y por eso, también, me apasiona -tanto como la anterior- la nueva trilogía galáctica. Puede que Lucas haya perdido la frescura y la ingenuidad de sus primeras cintas pero nunca, ya veis, ha dejado de ajustar cuentas con su propio pasado. Justo lo que haría cualquier artista.
Enemigo a las puertas: Duelo a muerte en Stalingrado
Se me había pasado por diversas razones el visionado de este caro film, Enemigo a las puertas, de textura impresionista y buen acabado que representa otra de las fuertes apuestas de los financiadores europeos a las pretensiones autorales del otrora osado francés, Jean Jacques Annaud.
En en el corazón de la Segunda Guerra Mundial, Un joven pastor de la taiga siberiana acude a la llamada de sus camaradas rusos para resistir el sitio de la ciudad de Stanlingrado. Abandonado en la linea del frente con la esperanza de recoger el fusil de algún caído, el joven pastor no tardará en demostrar sus dotes como tirador al asesinar a un oficial alemán en compañía de un propagandista soviético que aprovechará aquel acto de valor para encumbrar la figura de nuestro protagonista. Venerado por sus camaradas por cuenta de la eficacia de los pasquines de los soviéticos, el bueno de Vasily Zaitsev verá como su fama y creciente leyenda se consolida haciéndole reconocible incluso para las gentes que pueblan las trincheras. En unas pocas semanas en el cuerpo de francotiradores de la resistencia stanilista, Vasily Zaitsev se ha convertido en un arma propagandístico de gran eficacia contra la invasión alemana lo que provocará la llegada al Sitio de Stalingrado de un oficial alemán, Ed Harris, con la misión de acabar de un disparo con aquella leyenda viva.
Encuadrar este film en el género bélico no lo hace demasiada justicia pero no porque en la historia de Annaud no haya: a) héroes alistados para luchar contra el enemigo; b) dramas civiles víctimas de una contienda que no entienden y les castiga; c) comandos de tipos condenados por los compromisos de su patria; d) vísceras esparcidas en los campos de combate... sino porque se siente más propia en el terreno cinematográfico del western, allí donde las disputas se resuelven cara a cara y los duelos tienen por costumbre polarizar de forma simplificada el odio existente entre dos facciones opuestas. En este sentido, la película evoluciona desde la generalidad más absoluta (la primera parte del film es una introducción ciertamente ejemplificadora en este sentido) hasta el duelo lógico entre los dos antagonistas convirtiendo el entorno hostil que los rodea en un decorado que da textura y sentido a esta pequeña historia de cazadores y presas, de destrucción y supervivencia, ambientada en una ciudad imposible donde sólo parece haber lugar para la desolación.
El repliegue del argumento aumenta la tensión y la calidad del film justo al mismo tiempo que Annaud renuncia a los efectismos (seguramente porque devoró la mitad del presupuesto en la secuencia de arranque) y a las vísceras y se centra en una disputa de antagónicos y, tangencialmente, en la resolución de un trio amoroso condenado a sucumbir en la inmensidad de una guerra gélida y maldita.
Annaud pierde espectacularidad pero gana en control narrativo, sabe jugar con el clímax y los elementos dramáticos e incrementa el poder de convicción de su obra en esta interesante alternativa europea a un género en decadencia tantas veces pervertido por los entresijos emocionales de las banderas.
Lo más destacado: la escenografía, las interpretaciones de Jude Law, Rachel Weisz y Ed Harris; la solidez del conjunto
Lo menos destacado: la enfermiza interpretación de Joseph (siempre lo mismo) Fiennes; las (impostadas) elipsis que anteceden cada uno de los duelos; el muy forzado y (excesivamente) distante plano final.
Calificación: 7,5
En en el corazón de la Segunda Guerra Mundial, Un joven pastor de la taiga siberiana acude a la llamada de sus camaradas rusos para resistir el sitio de la ciudad de Stanlingrado. Abandonado en la linea del frente con la esperanza de recoger el fusil de algún caído, el joven pastor no tardará en demostrar sus dotes como tirador al asesinar a un oficial alemán en compañía de un propagandista soviético que aprovechará aquel acto de valor para encumbrar la figura de nuestro protagonista. Venerado por sus camaradas por cuenta de la eficacia de los pasquines de los soviéticos, el bueno de Vasily Zaitsev verá como su fama y creciente leyenda se consolida haciéndole reconocible incluso para las gentes que pueblan las trincheras. En unas pocas semanas en el cuerpo de francotiradores de la resistencia stanilista, Vasily Zaitsev se ha convertido en un arma propagandístico de gran eficacia contra la invasión alemana lo que provocará la llegada al Sitio de Stalingrado de un oficial alemán, Ed Harris, con la misión de acabar de un disparo con aquella leyenda viva.
Encuadrar este film en el género bélico no lo hace demasiada justicia pero no porque en la historia de Annaud no haya: a) héroes alistados para luchar contra el enemigo; b) dramas civiles víctimas de una contienda que no entienden y les castiga; c) comandos de tipos condenados por los compromisos de su patria; d) vísceras esparcidas en los campos de combate... sino porque se siente más propia en el terreno cinematográfico del western, allí donde las disputas se resuelven cara a cara y los duelos tienen por costumbre polarizar de forma simplificada el odio existente entre dos facciones opuestas. En este sentido, la película evoluciona desde la generalidad más absoluta (la primera parte del film es una introducción ciertamente ejemplificadora en este sentido) hasta el duelo lógico entre los dos antagonistas convirtiendo el entorno hostil que los rodea en un decorado que da textura y sentido a esta pequeña historia de cazadores y presas, de destrucción y supervivencia, ambientada en una ciudad imposible donde sólo parece haber lugar para la desolación.
El repliegue del argumento aumenta la tensión y la calidad del film justo al mismo tiempo que Annaud renuncia a los efectismos (seguramente porque devoró la mitad del presupuesto en la secuencia de arranque) y a las vísceras y se centra en una disputa de antagónicos y, tangencialmente, en la resolución de un trio amoroso condenado a sucumbir en la inmensidad de una guerra gélida y maldita.
Annaud pierde espectacularidad pero gana en control narrativo, sabe jugar con el clímax y los elementos dramáticos e incrementa el poder de convicción de su obra en esta interesante alternativa europea a un género en decadencia tantas veces pervertido por los entresijos emocionales de las banderas.
Lo más destacado: la escenografía, las interpretaciones de Jude Law, Rachel Weisz y Ed Harris; la solidez del conjunto
Lo menos destacado: la enfermiza interpretación de Joseph (siempre lo mismo) Fiennes; las (impostadas) elipsis que anteceden cada uno de los duelos; el muy forzado y (excesivamente) distante plano final.
Calificación: 7,5
Nuestra eXistenZ
Debo advertiros que éste va a ser un viaje salvaje, pero no temáis... Nos veremos aquí dentro de nada.
Es cine de Cronenberg. Cronenberg, el visionario, que diría mi amigo JIP. Un tipo acostumbrado a describir nuestra existencia a través de la relación entre el hombre y tecnología, entre la carne y el entorno que la transforma.
No puedo seguir haciendo esto, sea lo que sea, sin tener ni idea de lo que estoy haciendo.
eXistenZ habla de mundos virtuales pero reconocibles y de hombres y mujeres que sueñan lo que viven y viven soñando cambiar su realidad.
- ¿Cómo era tu vida anteriormente?
- ¿Anteriormente?
- Antes de que te la cambiara Allegra Geler...
- Ah. Llevaba una gasolinera.
- Todavía llevas una gasolinera, ¿no?
Y también habla de libertad como Mátrix. ¿O era al revés?
Esta es la jaula que tú has construido, que te mantiene atrapado y vagando en el menos espacio posible... para siempre. Escápate de tu jaula, escápate para siempre.
Y luego está Jennifer Jason Leigh...
- Quería matarte.
- Sí.
- Ya van dos en un sólo día que ha querido matarte.
- Nunca había sido tan popular.
eXistenZ, un film de David Cronenberg. Algún día os hablaré sobre ella.
Como ellos:
BORRÀS, Laura (2003). "eXistenZ, de David Cronenberg: ciberficciones para la posthumanidad". Digithum [artículo en línea]. UOC. Núm. 5. [Fecha de consulta:13 de noviembre de 2004 ] ISSN 1575-2275
Glosario de términos eXistenZiales
Crítica de Diego Brodersen para El Amante.
Crítica en Otrocampo
Crítica de Patricia Keiser
Díganme la verdad ¿todavía estamos en el juego?
Es cine de Cronenberg. Cronenberg, el visionario, que diría mi amigo JIP. Un tipo acostumbrado a describir nuestra existencia a través de la relación entre el hombre y tecnología, entre la carne y el entorno que la transforma.
No puedo seguir haciendo esto, sea lo que sea, sin tener ni idea de lo que estoy haciendo.
eXistenZ habla de mundos virtuales pero reconocibles y de hombres y mujeres que sueñan lo que viven y viven soñando cambiar su realidad.
- ¿Cómo era tu vida anteriormente?
- ¿Anteriormente?
- Antes de que te la cambiara Allegra Geler...
- Ah. Llevaba una gasolinera.
- Todavía llevas una gasolinera, ¿no?
Y también habla de libertad como Mátrix. ¿O era al revés?
Esta es la jaula que tú has construido, que te mantiene atrapado y vagando en el menos espacio posible... para siempre. Escápate de tu jaula, escápate para siempre.
Y luego está Jennifer Jason Leigh...
- Quería matarte.
- Sí.
- Ya van dos en un sólo día que ha querido matarte.
- Nunca había sido tan popular.
eXistenZ, un film de David Cronenberg. Algún día os hablaré sobre ella.
Como ellos:
BORRÀS, Laura (2003). "eXistenZ, de David Cronenberg: ciberficciones para la posthumanidad". Digithum [artículo en línea]. UOC. Núm. 5. [Fecha de consulta:13 de noviembre de 2004 ] ISSN 1575-2275
Glosario de términos eXistenZiales
Crítica de Diego Brodersen para El Amante.
Crítica en Otrocampo
Crítica de Patricia Keiser
Díganme la verdad ¿todavía estamos en el juego?
Estado febril
Fiebre, fiebre, fiebre
Fiebre del Domingo Noche, Fiebre Salvaje, Fiebrel y el nuevo mundo, Fiebre del Oro, Fiebre Amarilla, Fiebre en la Sangre, Fiebre de Codicia, Fiebre Sexual (ese Armando Bo), La Fiebre Continúa, La Fiebre del Loco, Fiebre, fiebre, fiebre, fiebre, fiebre, fiebre, fiebre, fiebre, fiebre, FIEBRE!!!
¿Alguien por ahí que me cuente cuentos de princesas prometidas?
¿Alguna princesa, sin prometer, por ahí?
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La Maldición y La Maldición 2: Una casa maldita
El otro día me aticé una sesión doble con La Maldición y La Maldición 2, de Takashi Shimizu y sobreviví al intento (supongo que lo de la gripe será casualidad…, ¿verdad Takashi?
Tal y como su título indica, La Maldición/The Grudge se centra en la naturaleza y consecuencias derivadas de una maldición infame, y como ésta interviene en la existencia, en el día a día de cada uno de los personajes y personas que, sin desearlo, cohabitan con ella (incluso en diferentes momentos de tiempo) y sobretodo, en el modo en que ésta evoluciona bajo la tutela de un orfebre demiúrgico que, en la segunda parte, se atreve además a planificar sus asesinatos de forma macabra y calculada.
Por lo demás, la cinta se apunta al carro de los fantasmas cotidianos de ascedencia asiática (tan habitual en nuestras carteleras gracias a la magnífica Ringu), con algo menos presupuesto, menor imaginación y mayor grado de inquietud y misterio gracias al trabajo de cámara de Shimizu y a un eficaz uso del sonido (efecto mejorado en su secuela).
No hay mucho más: ambos filmes son una sucesión de muertes más o menos planificadas y, sin duda, epatantes, situadas en una atmósfera turbadora y efectista donde destacan, sobremanera, la presencia de tres fantasmas inolvidables: una mujer greñuda aficionada a los sonidos guturales, un gato negro al que no le gustan las caricias y un niño de tez pálida y mirada de búho al que no conviene mirar a los ojos; fantasmas inquietantes que dan sentido y forma a esta maldición de Shimizu que, además, presume de poseer una estructura narrativa muy original y pocas concesiones para con sus personajes (de los que es imposible encariñarse como podéis comprobar si visionáis el film) .
La Maldición no es un film sobresaliente como Ringu de Nakata ni se resuelve de forma tan imaginativa como la muy reivindicable The Eye de los Hermanos Pang, pero cumple su cometido atemorizador con una gran diligencia.
Lo más destacado: Su imprevisibilidad y el doble suspense que supone a) la planificación de sus secuencias de terror y b) la laberíntica estructura de su guión.
Lo menos destacado : El carácter redundante de la secuela y su desacertada vuelta de tuerca final.
Calificación:
La maldición: 7
La maldición 2: 6
Tal y como su título indica, La Maldición/The Grudge se centra en la naturaleza y consecuencias derivadas de una maldición infame, y como ésta interviene en la existencia, en el día a día de cada uno de los personajes y personas que, sin desearlo, cohabitan con ella (incluso en diferentes momentos de tiempo) y sobretodo, en el modo en que ésta evoluciona bajo la tutela de un orfebre demiúrgico que, en la segunda parte, se atreve además a planificar sus asesinatos de forma macabra y calculada.
Por lo demás, la cinta se apunta al carro de los fantasmas cotidianos de ascedencia asiática (tan habitual en nuestras carteleras gracias a la magnífica Ringu), con algo menos presupuesto, menor imaginación y mayor grado de inquietud y misterio gracias al trabajo de cámara de Shimizu y a un eficaz uso del sonido (efecto mejorado en su secuela).
No hay mucho más: ambos filmes son una sucesión de muertes más o menos planificadas y, sin duda, epatantes, situadas en una atmósfera turbadora y efectista donde destacan, sobremanera, la presencia de tres fantasmas inolvidables: una mujer greñuda aficionada a los sonidos guturales, un gato negro al que no le gustan las caricias y un niño de tez pálida y mirada de búho al que no conviene mirar a los ojos; fantasmas inquietantes que dan sentido y forma a esta maldición de Shimizu que, además, presume de poseer una estructura narrativa muy original y pocas concesiones para con sus personajes (de los que es imposible encariñarse como podéis comprobar si visionáis el film) .
La Maldición no es un film sobresaliente como Ringu de Nakata ni se resuelve de forma tan imaginativa como la muy reivindicable The Eye de los Hermanos Pang, pero cumple su cometido atemorizador con una gran diligencia.
Lo más destacado: Su imprevisibilidad y el doble suspense que supone a) la planificación de sus secuencias de terror y b) la laberíntica estructura de su guión.
Lo menos destacado : El carácter redundante de la secuela y su desacertada vuelta de tuerca final.
Calificación:
La maldición: 7
La maldición 2: 6
La Terminal: De Kafka a Capra pasando por Spielberg
Víctor Navorski aterriza en el J.F.K. de Nueva York justo en el momento en que en su país de origen se ha producido un golpe de estado y los Estados Unidos se niegan a reconocer oficialmente al nuevo gobierno y subsidiariamente, a los a
visados y pasaportes expedidos con anterioridad a la rebelión. En esa sensación de vacío documental, en esa "grieta" del sistema protocolario que a todos nos recuerda a cierta historia de Kafka, se cuela un despistado Tom Hanks que ha llegado a las puertas de Nueva York persiguiendo un spielbergiano propósito, un mcguffin inane y mal resuelto que, más que nunca, sólo parece interesar a su protagonista tal y como podemos deducir de su poco emocionante final.
Entre medias, el bueno de Viktor Navorski tendrá que acostumbrarse a vivir en una sala de espera, a alimentarse con hamburguesas de dudoso valor nutritivo, a recopilar las monedas de los carritos que los viajeros olvidan en esa estación de tránsito -que diría el amigo Simak- donde todo el mundo acostumbra a pasar de largo. Y todo ello en compañía de un guardia de seguridad negro, un limpiador hispano enamorado de una administrativa uniformada y un emigrante hindú que cree que Viktor Navorski es un espía (pronto se sabrá el por qué de su paranoia) que ayudarán a nuestro amigo en su ardua tarea de enamorarse y enamorar a una azafata a la que le cuesta deshacerse de una relación de aires destructivos.
Spielberg reivindica la América de las oportunidades construyendo una terminal autosuficiente y luminosa donde un emigrante sin papeles, un hombre desposeído de su condición de ciudadano, puede ganarse el pan y un buen sueldo si sabe demostrar su valía. Pero el film también admite otra lectura pues describe una sociedad contradictoria basada en la apariencia donde cualquier tipo puede encontrar todo lo que necesita para sobrevivir e, incluso, sentirse realizado en un complejo diseñado para hombres y mujeres en tránsito perpetuo.
La fábula sociológica (seguramente inspirada por Andrew Niccol) es fácilmente olvidada por Spielberg con la incorporación de un antagonista, el (di)rector del aeropuerto, Stanley Tucci, un émulo de Mr Scrooge, envidioso y malhuramorado, que se deja gobernar por un exceso de celo protocolario y por un insano regusto por la poltrona que lo acomoda. La presencia de este gris personaje sirve a Spielberg para devolver a la película el carácter simplista del enfrentamiento entre buenos y malos tan proclive en su extraordinaria filmografía y aunque la película no se resuelve por la vía del enfrentamiento en sentido estricto, las motivaciones que mueven a los personajes, la chispa que enciende la llama de la solidaridad y de la amistad forjada entre los protagonistas, tienen su génesis en la existencia de este discípulo del profesor Aguafiestas, eso sí, con poca comicidad y menos talante. Así, lo que debía haber sido la historia de un hombre atrapado por un sistema se transforma en a) un absurdo duelo de perfil bajo; b) en una insulsa historia de amor que no llega a ser ni siquiera cómplice, y c) en situaciones excesivamente mecanicistas y que no nos llegan a interesar en absoluto. Todo junto se permite el lujo de definir este bache creativo que el bueno de Spielberg remontará, a buen seguro, en su próxima película.
Lo más destacado: la factura técnica del invento (faltaría más!); los homenajes a Capra y la secuencia de las pastillas para el burro.
Lo menos destacado: que Tom Hanks no sea Bill Murray; la nula comicidad entre la pareja protagonista y, ya lo dije antes, que la película no es, ni mucho menos, lo que debiera haber sido.
Calificación: 4
visados y pasaportes expedidos con anterioridad a la rebelión. En esa sensación de vacío documental, en esa "grieta" del sistema protocolario que a todos nos recuerda a cierta historia de Kafka, se cuela un despistado Tom Hanks que ha llegado a las puertas de Nueva York persiguiendo un spielbergiano propósito, un mcguffin inane y mal resuelto que, más que nunca, sólo parece interesar a su protagonista tal y como podemos deducir de su poco emocionante final.
Entre medias, el bueno de Viktor Navorski tendrá que acostumbrarse a vivir en una sala de espera, a alimentarse con hamburguesas de dudoso valor nutritivo, a recopilar las monedas de los carritos que los viajeros olvidan en esa estación de tránsito -que diría el amigo Simak- donde todo el mundo acostumbra a pasar de largo. Y todo ello en compañía de un guardia de seguridad negro, un limpiador hispano enamorado de una administrativa uniformada y un emigrante hindú que cree que Viktor Navorski es un espía (pronto se sabrá el por qué de su paranoia) que ayudarán a nuestro amigo en su ardua tarea de enamorarse y enamorar a una azafata a la que le cuesta deshacerse de una relación de aires destructivos.
Spielberg reivindica la América de las oportunidades construyendo una terminal autosuficiente y luminosa donde un emigrante sin papeles, un hombre desposeído de su condición de ciudadano, puede ganarse el pan y un buen sueldo si sabe demostrar su valía. Pero el film también admite otra lectura pues describe una sociedad contradictoria basada en la apariencia donde cualquier tipo puede encontrar todo lo que necesita para sobrevivir e, incluso, sentirse realizado en un complejo diseñado para hombres y mujeres en tránsito perpetuo.
La fábula sociológica (seguramente inspirada por Andrew Niccol) es fácilmente olvidada por Spielberg con la incorporación de un antagonista, el (di)rector del aeropuerto, Stanley Tucci, un émulo de Mr Scrooge, envidioso y malhuramorado, que se deja gobernar por un exceso de celo protocolario y por un insano regusto por la poltrona que lo acomoda. La presencia de este gris personaje sirve a Spielberg para devolver a la película el carácter simplista del enfrentamiento entre buenos y malos tan proclive en su extraordinaria filmografía y aunque la película no se resuelve por la vía del enfrentamiento en sentido estricto, las motivaciones que mueven a los personajes, la chispa que enciende la llama de la solidaridad y de la amistad forjada entre los protagonistas, tienen su génesis en la existencia de este discípulo del profesor Aguafiestas, eso sí, con poca comicidad y menos talante. Así, lo que debía haber sido la historia de un hombre atrapado por un sistema se transforma en a) un absurdo duelo de perfil bajo; b) en una insulsa historia de amor que no llega a ser ni siquiera cómplice, y c) en situaciones excesivamente mecanicistas y que no nos llegan a interesar en absoluto. Todo junto se permite el lujo de definir este bache creativo que el bueno de Spielberg remontará, a buen seguro, en su próxima película.
Lo más destacado: la factura técnica del invento (faltaría más!); los homenajes a Capra y la secuencia de las pastillas para el burro.
Lo menos destacado: que Tom Hanks no sea Bill Murray; la nula comicidad entre la pareja protagonista y, ya lo dije antes, que la película no es, ni mucho menos, lo que debiera haber sido.
Calificación: 4
La leyenda del Director solitario
Era uno de aquellos tipos acostumbrados a conquistar nuestros corazones por la fuerza de las imágenes que filmaba. Uno de esos que saben dar forma a sus sueños; a los nuestros, argumento y a los de sus productores, dinero. Y estaba allí, ya sabéis, justo donde los escalofríos jugaban a las cartas con la expectación y sus latidos se confundían con las risas de otros que no lo llegaban a entender del todo. Trataba de comprender el porqué y se conformaba con saber el cuánto y mientras tanto, otros habían llegado a la conclusión de que el talento lo es menos en medio de una jauría de devoradores de palomitas.
Miraba a su alrededor y tardó en dejar de hacerlo. Miraba a todos los lados por si acaso se la ocurría volver, esperanzado, pero los rincones eran demasiado oscuros allí donde sólo había lugar para la pantalla y en la tristeza, cuando a uno se le apagan las emociones, las princesas se niegan siempre a regresar.
El clímax seguía in crescendo y las carcajadas saboteaban el visionado de esa puta obra maestra. El público y el director habían soñado dos películas distintas pero a todos parecía gustarles. Los críticos repudiarían sus virtudes y sus colegas le odiarían a muerte: entre todos conseguirían hacerle rico, más rico, al menos mientras todos esos siguieran riendo a mandíbula doliente. Y lo hicieron durante media hora más y después tras una pequeña pausa, y en estos intervalos, lo siento, tampoco a ella se la ocurrió dar señales de vida.
Si el productor hubiera podido sacar el puro que guardaba en el bolsillo de su chaleco hubiera vomitado su humo por toda la platea, feliz de contagiar a todo el mundo el virus del éxito, el virus que había heredado de un abuelo aficionado a los tejemanejes ínclitos a la linterna mágica. ¡Demonios...! Ese niñato recién llegado de la televisión estaba a punto de hacerle un nombre en una industria a la que le gustaba trepanar cabezas más que a un divorciado quemar fotos de boda. Ay. Pero ella no volvía, ¿verdad, Sr. Director?
Sintiéndose nuevo millonario pero sólo, nuestro amigo apenas contestó una pregunta en la rueda de prensa, acudió al baño con premura, se sacudió como pudo el carmín de todas las putas que se le habían arrimado en la fiesta y volvió a casa con la sensación de no haber disfrutado como debía el enorme éxito obtenido por su película. Habituada, como estaba, a los finales felices por imposición de sus productores y guionistas (que no se sentían muy a gusto con el riesgo) le costaba aceptar ese final para si mismo y, bajo la lluvia, en aquella noche aciaga donde incluso los trasnochadores se negaban a aparecer, se preguntaba porqué, ¡porqué!, entre todas las mujeres que había conocido, seducido y follado a lo largo de su vida se había ido a enamorar de una a la que no sólo no le gustaba su cine, ¡el Cine, señores!, sino que encima no perdonaba -ni uno sólo- de los partidos del madrid en Champions...
Desde ese día, enclavado en la poltrona de los directores antojadizos, renunció a acudir a los preestrenos los miércoles por la noche. La leyenda nos cuenta que lo hizo por amor. Vosotros, ¿qué creéis?
Miraba a su alrededor y tardó en dejar de hacerlo. Miraba a todos los lados por si acaso se la ocurría volver, esperanzado, pero los rincones eran demasiado oscuros allí donde sólo había lugar para la pantalla y en la tristeza, cuando a uno se le apagan las emociones, las princesas se niegan siempre a regresar.
El clímax seguía in crescendo y las carcajadas saboteaban el visionado de esa puta obra maestra. El público y el director habían soñado dos películas distintas pero a todos parecía gustarles. Los críticos repudiarían sus virtudes y sus colegas le odiarían a muerte: entre todos conseguirían hacerle rico, más rico, al menos mientras todos esos siguieran riendo a mandíbula doliente. Y lo hicieron durante media hora más y después tras una pequeña pausa, y en estos intervalos, lo siento, tampoco a ella se la ocurrió dar señales de vida.
Si el productor hubiera podido sacar el puro que guardaba en el bolsillo de su chaleco hubiera vomitado su humo por toda la platea, feliz de contagiar a todo el mundo el virus del éxito, el virus que había heredado de un abuelo aficionado a los tejemanejes ínclitos a la linterna mágica. ¡Demonios...! Ese niñato recién llegado de la televisión estaba a punto de hacerle un nombre en una industria a la que le gustaba trepanar cabezas más que a un divorciado quemar fotos de boda. Ay. Pero ella no volvía, ¿verdad, Sr. Director?
Sintiéndose nuevo millonario pero sólo, nuestro amigo apenas contestó una pregunta en la rueda de prensa, acudió al baño con premura, se sacudió como pudo el carmín de todas las putas que se le habían arrimado en la fiesta y volvió a casa con la sensación de no haber disfrutado como debía el enorme éxito obtenido por su película. Habituada, como estaba, a los finales felices por imposición de sus productores y guionistas (que no se sentían muy a gusto con el riesgo) le costaba aceptar ese final para si mismo y, bajo la lluvia, en aquella noche aciaga donde incluso los trasnochadores se negaban a aparecer, se preguntaba porqué, ¡porqué!, entre todas las mujeres que había conocido, seducido y follado a lo largo de su vida se había ido a enamorar de una a la que no sólo no le gustaba su cine, ¡el Cine, señores!, sino que encima no perdonaba -ni uno sólo- de los partidos del madrid en Champions...
Desde ese día, enclavado en la poltrona de los directores antojadizos, renunció a acudir a los preestrenos los miércoles por la noche. La leyenda nos cuenta que lo hizo por amor. Vosotros, ¿qué creéis?
Documentalistas de Cine
Hoy os voy a hablar de documentalistas y de documentación, "la ciencia de la información" en sentido estricto que durante algún tiempo ocupó un lugar destacado en mi vida profresional y académica. Es teoría, pero es teoría made in bango soportable y, fundamentalmente, amena así que no huyáis si no os apetece ;)
Sin duda, lo que más me atrajo del proyecto que nuestro amigo David Huélamo está llevando a cabo con su Noche de Cine, sea ese centro de documentación cinematográfica, ese punto de encuentro sistematizado entre la información y sus consumidores que pretende ser y será un centro de documentación al uso, donde el usuario demandante de información podrá satisfacer su demanda con la sencilla ayuda de un directorio hipertextual.
Voy a haceros una pequeña introducción al ámbito documentalista (de ascendencia digerible, no os asustéis) que resume los pormenores que envuelven ésta, por lo general desconocida, perspectiva periodística.
Los documentalistas son unos tipos raros que optimizan el acceso a los recursos de información sirviendo de intermediarios entre aquellos que, subjetivamente, demandan una información y aquellos que, objetivamente, ponen esa información a disposición de los primeros. En una biblioteca, esta relación se hace más que palpable en tanto que los demandantes de la misma (usuarios de la biblioteca), los ofertantes (el medio bibliotecario) y los intermediarios (los documentalistas o bibliotecarios) coinciden en un mismo medio físico y, por tanto, se conocen face to face.
La relación de intermediación entre unos y otros es variada en función, sobretodo, del momento en que la intervención del profesional de la documentación se produce:
a) Ab initio: lo que convierte al documentalista en Arquitecto de estructuras informativas o diseñador de contenidos
b) De forma simultánea: actualizador de una base de datos, compilador de resúmenes de prensa...
c) O actuando sobre un espectro del conocimiento ya existente, volcando sus esfuerzos en hacer accesible todo el flujo informacional dimanante de dicha hacienda.
Existen numerosos productos que, inmersos en nuestra cotidianidad, nos introducen en este mundillo. La imdb, Cinefania, The Allmovie Guide o BD MCU. En cada uno de estos productos documentales, intervienen (conscientes de si mismos o no) documentalistas: a) En su concepción (Diseñador del recipiente contenedor de la información y sistematización o categorización de sus apartados); b) en su Actualización (introducción de nuevos registros) y c) en su Recuperación, creando estructuras que posibilitan el acceso pertinente a la información demandada (a través del cajón de búsqueda o a través de los hiperenlaces o links).
Ejemplo: El producto Internet Movie Data Base (medio objetivo ofertante de información del producto: "datos de películas") pone a disposición de los usuarios (Demandantes casuales de información de "datos de películas") una información ("datos de películas") de carácter objetivo con la intención de satisfacer futuras necesidades informativas. Sólo cuando la demanda de información se ha satisfecho el proceso de intermediación (labor del documentalista) ha sido un éxito.
Desde el punto de vista del usuario, su demanda informativa quedará satisfecha (total o parcialmente) con la adecuación de la información que se acaba de encontrar con los propósitos inicialmente planteados. Y sólo bajo esta premisa, el trabajo del documentalista habrá sido eficaz.
¿Se entiende, verdad?
(continuará)
Sin duda, lo que más me atrajo del proyecto que nuestro amigo David Huélamo está llevando a cabo con su Noche de Cine, sea ese centro de documentación cinematográfica, ese punto de encuentro sistematizado entre la información y sus consumidores que pretende ser y será un centro de documentación al uso, donde el usuario demandante de información podrá satisfacer su demanda con la sencilla ayuda de un directorio hipertextual.
Voy a haceros una pequeña introducción al ámbito documentalista (de ascendencia digerible, no os asustéis) que resume los pormenores que envuelven ésta, por lo general desconocida, perspectiva periodística.
Los documentalistas son unos tipos raros que optimizan el acceso a los recursos de información sirviendo de intermediarios entre aquellos que, subjetivamente, demandan una información y aquellos que, objetivamente, ponen esa información a disposición de los primeros. En una biblioteca, esta relación se hace más que palpable en tanto que los demandantes de la misma (usuarios de la biblioteca), los ofertantes (el medio bibliotecario) y los intermediarios (los documentalistas o bibliotecarios) coinciden en un mismo medio físico y, por tanto, se conocen face to face.
La relación de intermediación entre unos y otros es variada en función, sobretodo, del momento en que la intervención del profesional de la documentación se produce:
a) Ab initio: lo que convierte al documentalista en Arquitecto de estructuras informativas o diseñador de contenidos
b) De forma simultánea: actualizador de una base de datos, compilador de resúmenes de prensa...
c) O actuando sobre un espectro del conocimiento ya existente, volcando sus esfuerzos en hacer accesible todo el flujo informacional dimanante de dicha hacienda.
Existen numerosos productos que, inmersos en nuestra cotidianidad, nos introducen en este mundillo. La imdb, Cinefania, The Allmovie Guide o BD MCU. En cada uno de estos productos documentales, intervienen (conscientes de si mismos o no) documentalistas: a) En su concepción (Diseñador del recipiente contenedor de la información y sistematización o categorización de sus apartados); b) en su Actualización (introducción de nuevos registros) y c) en su Recuperación, creando estructuras que posibilitan el acceso pertinente a la información demandada (a través del cajón de búsqueda o a través de los hiperenlaces o links).
Ejemplo: El producto Internet Movie Data Base (medio objetivo ofertante de información del producto: "datos de películas") pone a disposición de los usuarios (Demandantes casuales de información de "datos de películas") una información ("datos de películas") de carácter objetivo con la intención de satisfacer futuras necesidades informativas. Sólo cuando la demanda de información se ha satisfecho el proceso de intermediación (labor del documentalista) ha sido un éxito.
Desde el punto de vista del usuario, su demanda informativa quedará satisfecha (total o parcialmente) con la adecuación de la información que se acaba de encontrar con los propósitos inicialmente planteados. Y sólo bajo esta premisa, el trabajo del documentalista habrá sido eficaz.
¿Se entiende, verdad?
(continuará)
Documentalistas de Cine (y II)
Para culminar esta pequeña introducción sobre la desconocida labor de los documentalistas, os voy a contar algo de la que para mí es la categoría que mejor define la documentación actual: El Seleccionador de Recursos de Información (para mí, el documentalista del Siglo XXI)
La Selección de Recursos, no persigue tanto una elección de carácter exhaustivo sino pertinente de acuerdo a unos criterios fijados no por el futuro usuario sino por el propio documentalista (Criterios de calidad, de verosimilitud, principio de no redundancia...). En este sentido, el documentalista amplía su labor de mero intermediario a la de seleccionador de información, deduciendo a priori lo que, de una materia concreta, puede interesar al usuario.
Una ampliación de esta categoría nos daría de bruces con el seleccionador crítico, que no sólo escoge los productos que, subjetivamente, cree que pueden satisfacer las demandas informativas de sus usuarios sino que, además, se permite el lujo de analizar críticamente (emitiendo un juicio o valor) el contenido de su selección. (Quienes conozcáis la Video-Guía de Carlos Aguilar, sabéis de que hablo).
Todos los bloggers con o sin título de documentalista, ejercemos la labor de seleccionadores en el momento en que elegimos uno u otro enlace con el que redundar nuestros imperativos coloquiales. Y nos convertimos en críticos a partir del momento en que emitimos una valoración sobre dicha selección. El modo más intuitivo por el que los "seleccionadores" de la blogosfera facilitamos nuestra (s)elección es a través de un link. De este modo, el enlace o link se convierte en la categoría mínima de la manifestación de la documentación en Internet y, en cierto modo, en su fundamento y sostén.
El (ab)uso descontrolado de estos hiperenlaces, su propagación extensiva por todos los rincones de la red de redes, provoca la existencia de informaciones dispersas, no pertinentes, redundantes, irrelevantes, desordenadas y, lo que es peor, ocultas, inaccesibles o desaparecidas.
Como podéis ver, el trabajo recopilador, seleccionador, profesional de un documentalista actúa, justamente, contra estos abusos pues su labor, nada más y nada menos consiste en hacer pertinente, relevante, accesible, ordenada, pública, extensiva, útil, oportuna, selecta, adecuada, conveniente la información que fluye por Internet.
¿Os hacéis una idea de lo que puede suponer en el ámbito cinematográfico? Ejem, va a parecer que estoy buscando trabajo...
Mañana más: mañana Cine. Acabo de ver "Dog Soldiers" y, amigos, he disfrutado como hacía tiempo!! Se aproxima crítica a las doce en punto.
La Selección de Recursos, no persigue tanto una elección de carácter exhaustivo sino pertinente de acuerdo a unos criterios fijados no por el futuro usuario sino por el propio documentalista (Criterios de calidad, de verosimilitud, principio de no redundancia...). En este sentido, el documentalista amplía su labor de mero intermediario a la de seleccionador de información, deduciendo a priori lo que, de una materia concreta, puede interesar al usuario.
Una ampliación de esta categoría nos daría de bruces con el seleccionador crítico, que no sólo escoge los productos que, subjetivamente, cree que pueden satisfacer las demandas informativas de sus usuarios sino que, además, se permite el lujo de analizar críticamente (emitiendo un juicio o valor) el contenido de su selección. (Quienes conozcáis la Video-Guía de Carlos Aguilar, sabéis de que hablo).
Todos los bloggers con o sin título de documentalista, ejercemos la labor de seleccionadores en el momento en que elegimos uno u otro enlace con el que redundar nuestros imperativos coloquiales. Y nos convertimos en críticos a partir del momento en que emitimos una valoración sobre dicha selección. El modo más intuitivo por el que los "seleccionadores" de la blogosfera facilitamos nuestra (s)elección es a través de un link. De este modo, el enlace o link se convierte en la categoría mínima de la manifestación de la documentación en Internet y, en cierto modo, en su fundamento y sostén.
El (ab)uso descontrolado de estos hiperenlaces, su propagación extensiva por todos los rincones de la red de redes, provoca la existencia de informaciones dispersas, no pertinentes, redundantes, irrelevantes, desordenadas y, lo que es peor, ocultas, inaccesibles o desaparecidas.
Como podéis ver, el trabajo recopilador, seleccionador, profesional de un documentalista actúa, justamente, contra estos abusos pues su labor, nada más y nada menos consiste en hacer pertinente, relevante, accesible, ordenada, pública, extensiva, útil, oportuna, selecta, adecuada, conveniente la información que fluye por Internet.
¿Os hacéis una idea de lo que puede suponer en el ámbito cinematográfico? Ejem, va a parecer que estoy buscando trabajo...
Mañana más: mañana Cine. Acabo de ver "Dog Soldiers" y, amigos, he disfrutado como hacía tiempo!! Se aproxima crítica a las doce en punto.
Dog soldiers: la noche de los licántropos vivientes
Entre la serie de películas de estereotipado terror norteamericano, imitaciones europeas de poco pedigrí y tenebrismo fantasmagórico japonés, el visionado de Dog Soldiers -extraña coproducción de terror europea que adivinamos de pocos medios-, es un divertimento lúdico que no podemos pasar de largo, una historia despiadada y feroz sobre una de las leyendas más adaptadas en la cinematografía de terror (la de los hombres lobo) que Neil Marshall, el director de la cinta, se atreve a mezclar con homenajes a La Noche de los Muertos Vivientes (o Asalto a la Comisaría del Distrito 13, Río Bravo o El Álamo si se quiere), a En Compañía de Lobos de Neil Jordan, o a La Presa de Walter Hill (o a Depredador). Selección ultracinéfila que convierte a este pequeño film de serie B en una película de culto altamente recomendable y a su director e una de las figuras más prometedoras del actual, y trillado, cine de terror.
El cine de terror en su vertiente licantrópica nos ha acostumbrado a regalarnos un buen puñado de obras maestras (la inolvidable comedia Un Hombre Lobo Americano en Londres, la ejemplar Aullidos -¿os acordáis de su final?- , el cuento de terror En Compañía de Lobos, la fábula urbana Lobos Humanos de W. D. Richter, el magnífico film de culto: Ginger Snaps o, incluso, las existencialistas películas que sobre el personaje de Waldemar Danisky ha pergeñado el bueno de Paul Naschy, que de manera más o menos original han sabido dotar a la historia de los hombres-lobo de unos enunciados más variados y, sin duda, más inspirados que la del resto de los monstruos clásicos provenientes del imaginario catálogo de la Universal ( Underworld y Van Helsing, aparte).
El film escrito por Neil Marshall nos introduce en la historia de un grupo de soldados que realizan unas maniobras rutinarias en Las Higlands escocesas, tierras altas y baldías que se atreven a ocultar en su lóbrego interior los restos de una leyenda, la de una bestia que, de vez en cuando, ataca a todos y cuantos se atreven a cruzar las puertas de un bosque, éste sí, hostil y terrible para los visitantes foráneos. Tras el descubrimiento de las vísceras del otro Grupo Especial que participaba de las maniobras y tras encontrarse un superviviente que les advierte del peligro que corren, el grupo no tardará en toparse con una columna de bestias que, tras matar a uno de los soldados y herir cruelmente a su cabecilla (lo cual nos conduce, directamente, al film de Walter Hill), se ven obligados a retroceder hasta una cabaña aislada, sin teléfono, ni vecinos, en la que el grupo de soldados tendrá que protegerse y resistir hasta el amanecer.
Con un acertado uso de la música y una eficaz fotografía, Neil Marshall construye este cuento (a veces, cuento en sentido estricto) de terror bélico con algunos momentos de buen humor negro (especialmente sarcásticos tal y como se desprenden de segundo visionado), tres o cuatro sustos bien planificados; una multitud de secuencias que nos recuerdan lo mucho que le gustaron a su director las películas antes comentadas; algún que otro diálogo destacable (y cómplice) y unos efectos especiales de aire artesano que añaden un halo de romanticismo a esta, por lo demás, desasosegante película.
Dog Soldiers, en fin, nos reconcilia con el cine de terror bruto, tan falto de pretensiones como esencialmente honesto, vibrante incluso en sus momentos más gore y, ciertamente, apetecible para aquellos que disfrutamos de las citas cinéfilas, de l os homenajes y parodias incrustadas en un entramado mayor sostenido por un ritmo endiablado y por un trabajo de cámara nervioso pero calculado que convierte a esta película en una de las obras más apasionadas y divertidas del fanta-terror contemporáneo.
Lo más destacado: su autoasimilada falta de pretensiones, la imaginación con la que se resuelven algunos de los momentos de peligro y la tarantiniana anécdota del diablo tatuado en el culo.
Lo menos destacado: la previsibilidad de su argumento, el abuso de citas a la Noche de los Muertos Vivientes de Romero y la (nula) interpretación de alguno de los actores.
Calificación:8,5
Definiciones de Cine
El Cine: Es lo que sobrevive al primer fin de semana.
El cine: Dispensario de palomitas y vasos de hielo y refrescos generalmente poblado de tipos que dicen acompañar al que tienen al lado.
Títulos de crédito: la parte de la película que no ven ni siquiera los familiares de los "acreditados".
Taquillazo: El gatillazo de un blockbuster.
Taquilla: Kiosquillo de vidrio y acero que separa a Hannibal Lecter del resto de la humanidad.
Taquillera: Una chica media sorda que te pide que eleves la voz cuando vas a comprar una entrada de Lilian, la virgen pervertida. "¿Cómo...?" Una entrada de Lilian... ¡LA VIRGEN PERVERTIDA!
Entrada o Ticket o boleto: Documento con un valor de seis euros que, al mismo tiempo, le sirve a la tienda de comida de al lado como espacio publicitario y promocional (¿Les estamos financiando sus bocadillos?)
Teaser: Un adelanto o promesa de lo que va a venir pero que, finalmente, no viene o si viene, no se parece a lo anunciado. En política se denomina "programa electoral".
Trailer: Colección de imágenes efectistas de una película que, generalmente, no tiene que ver nada con la misma. Excepción: las que sí tienen que ver, sobretodo en películas de suspense, tienden a sustituirla.
Thriller: Cuando a mitad de El Señor de los Anillos te preguntas si quitaste la luz del coche...
Obra Maestra: Calificación emparentada con lo mayestático y, por tanto, "extraordinario" que los cinéfilos fanáticos solemos utilizar "habitualmente"...
Uma Thurman: Mujer que no existe. En mitología, quimera, utopía, ensoñación.
Director: Un tipo con un ego mayor que el mío. A veces, gris empleado de una multinacional.
Director de Fotografía: Mago, hechicero, Gandalf.
The End: El fin en las películas antiguas. A John Ford le gustaba adornarlo con un paisaje crepuscular y formidable. Cuando sale en un film de Miyazaki viene acompañado de una súbita e incontenible emoción y unas terribles ganas de aplaudir y ponerse de pie. En películas de Antonioni, suele preludiar una estampida colectiva hacia el aseo.
J. P. Bango: Servidor.
Comentarios: Lo que a todos nos gusta leer en los blogs. Alimentan egos y dejan señales inequívocas de que algunos de los que pasaron por aquí, llegaron hasta el final del post... ;)
El cine: Dispensario de palomitas y vasos de hielo y refrescos generalmente poblado de tipos que dicen acompañar al que tienen al lado.
Títulos de crédito: la parte de la película que no ven ni siquiera los familiares de los "acreditados".
Taquillazo: El gatillazo de un blockbuster.
Taquilla: Kiosquillo de vidrio y acero que separa a Hannibal Lecter del resto de la humanidad.
Taquillera: Una chica media sorda que te pide que eleves la voz cuando vas a comprar una entrada de Lilian, la virgen pervertida. "¿Cómo...?" Una entrada de Lilian... ¡LA VIRGEN PERVERTIDA!
Entrada o Ticket o boleto: Documento con un valor de seis euros que, al mismo tiempo, le sirve a la tienda de comida de al lado como espacio publicitario y promocional (¿Les estamos financiando sus bocadillos?)
Teaser: Un adelanto o promesa de lo que va a venir pero que, finalmente, no viene o si viene, no se parece a lo anunciado. En política se denomina "programa electoral".
Trailer: Colección de imágenes efectistas de una película que, generalmente, no tiene que ver nada con la misma. Excepción: las que sí tienen que ver, sobretodo en películas de suspense, tienden a sustituirla.
Thriller: Cuando a mitad de El Señor de los Anillos te preguntas si quitaste la luz del coche...
Obra Maestra: Calificación emparentada con lo mayestático y, por tanto, "extraordinario" que los cinéfilos fanáticos solemos utilizar "habitualmente"...
Uma Thurman: Mujer que no existe. En mitología, quimera, utopía, ensoñación.
Director: Un tipo con un ego mayor que el mío. A veces, gris empleado de una multinacional.
Director de Fotografía: Mago, hechicero, Gandalf.
The End: El fin en las películas antiguas. A John Ford le gustaba adornarlo con un paisaje crepuscular y formidable. Cuando sale en un film de Miyazaki viene acompañado de una súbita e incontenible emoción y unas terribles ganas de aplaudir y ponerse de pie. En películas de Antonioni, suele preludiar una estampida colectiva hacia el aseo.
J. P. Bango: Servidor.
Comentarios: Lo que a todos nos gusta leer en los blogs. Alimentan egos y dejan señales inequívocas de que algunos de los que pasaron por aquí, llegaron hasta el final del post... ;)
El día de mañana nos deja, efectivamente, fríos
La Anécdota: El efecto invernadero, el deshielo de los polos, el cambio climático debido a un cambio en las corrientes de agua provocadas por la desalinización progresiva de los mares... Más que una película se debiera haber hecho un documental del National Geographic, es evidente, pero a Emmerich le gustan las apuestas fuertes y a sus productores, arriesgarse... No os riáis: también los bancos se arriesgan. ¿Os seguís riendo?
El Director: Roland Emmerich, asiduo imitador de las constantes más facilonas del cine de Spielberg, alemán de estómago agradecido y a ratos buen fabricador de entretenimientos. Director de algunas de las películas de nuestra infancia como El Principio del Arca de Noe o El Secreto de Joey y conspirador pro-presidencialista contra los intereses de los marcianos en Independence Day, convirtió en diabólicos fabricantes de residuos (y bestias) atómicos a los franceses por cuenta de lo de Mururoa, justo un par de horas antes de hacer volar por los aires el Madison Square Garden y el centenar de simpáticas crías que la hermafrodita Godzilla había dado a luz con anterioridad. También nos comentan que le gustan los jeroglíficos, las arañas, los patriotas armados con hachas y las películas de soldados universales. No sé yo.
El Género: Las catástrofes. Antiguo subgénero típicamente hollywoodiense que suele aflorar al albor de alguna de las grandes crisis mundiales (lease Crack del 29: Los últimos días de Pompeya, San Francisco...; crisis del petróleo del 73: Terremoto, Aeropuerto, El Coloso en Llamas, Más allá del Poseidón...) y que últimamente le ha dado por asomarse con mayor o menor asiduidad y éxito gracias a los avances tecnólogicos e infográficos (crucemos los dedos) obtenidos desde la década de los 90.
La Trama: En realidad no hay trama. Un climatólogo norteamericano y otro escocés se reúnen en la India para poner en común sus conocimientos tras la conferencia catastrofista que acaba de dar el primero contando sus experiencias, cuasi sobrenaturales, en el círculo polar antártico. Cuando ambos regresan a sus respectivos hogares, las evidencias de que el cambio climático se está produciendo, son inexorables. Y ya está. A sobrevivir, toca.
Los personajes: Estereotipados, insbustanciales y, profundamente, antipáticos, son incapaces de proyectarnos algún tipo de emoción sobre su existencia, destino o suerte. Nos dan igual que se ahoguen, se hielen, se caigan de lo alto de un supermercado, acaben devorados por los lobos o atravesados por granizo con forma y tamaño de sandía... Consecuencias, sin duda, de un guión desidioso y ventajista.
La secuencia: Los norteamericanos cruzando el Rio Grande cuan espaldas mojadas del Siglo XXI buscando auspicio, calor, comida y trabajo, oh, que gran momento, en los estados y países del Sur. En fin, cura de humildad a contracorriente de un Emmerich cada vez más descreído y, naturalmente, algo inusual en el orgulloso cine norteamericano contemporáneo.
La Frase: La pronuncia el bueno de Dennis Quaid cuando sus conocimientos sobre el tema son requeridos para intentar solucionar el problema: "Huyan al sur..."
Lo más destacado: los efectos especiales, of course.
Lo menos destacado: el escaso interés que despierta lo que no son efectos especiales.
La Calificación: 6
El Director: Roland Emmerich, asiduo imitador de las constantes más facilonas del cine de Spielberg, alemán de estómago agradecido y a ratos buen fabricador de entretenimientos. Director de algunas de las películas de nuestra infancia como El Principio del Arca de Noe o El Secreto de Joey y conspirador pro-presidencialista contra los intereses de los marcianos en Independence Day, convirtió en diabólicos fabricantes de residuos (y bestias) atómicos a los franceses por cuenta de lo de Mururoa, justo un par de horas antes de hacer volar por los aires el Madison Square Garden y el centenar de simpáticas crías que la hermafrodita Godzilla había dado a luz con anterioridad. También nos comentan que le gustan los jeroglíficos, las arañas, los patriotas armados con hachas y las películas de soldados universales. No sé yo.
El Género: Las catástrofes. Antiguo subgénero típicamente hollywoodiense que suele aflorar al albor de alguna de las grandes crisis mundiales (lease Crack del 29: Los últimos días de Pompeya, San Francisco...; crisis del petróleo del 73: Terremoto, Aeropuerto, El Coloso en Llamas, Más allá del Poseidón...) y que últimamente le ha dado por asomarse con mayor o menor asiduidad y éxito gracias a los avances tecnólogicos e infográficos (crucemos los dedos) obtenidos desde la década de los 90.
La Trama: En realidad no hay trama. Un climatólogo norteamericano y otro escocés se reúnen en la India para poner en común sus conocimientos tras la conferencia catastrofista que acaba de dar el primero contando sus experiencias, cuasi sobrenaturales, en el círculo polar antártico. Cuando ambos regresan a sus respectivos hogares, las evidencias de que el cambio climático se está produciendo, son inexorables. Y ya está. A sobrevivir, toca.
Los personajes: Estereotipados, insbustanciales y, profundamente, antipáticos, son incapaces de proyectarnos algún tipo de emoción sobre su existencia, destino o suerte. Nos dan igual que se ahoguen, se hielen, se caigan de lo alto de un supermercado, acaben devorados por los lobos o atravesados por granizo con forma y tamaño de sandía... Consecuencias, sin duda, de un guión desidioso y ventajista.
La secuencia: Los norteamericanos cruzando el Rio Grande cuan espaldas mojadas del Siglo XXI buscando auspicio, calor, comida y trabajo, oh, que gran momento, en los estados y países del Sur. En fin, cura de humildad a contracorriente de un Emmerich cada vez más descreído y, naturalmente, algo inusual en el orgulloso cine norteamericano contemporáneo.
La Frase: La pronuncia el bueno de Dennis Quaid cuando sus conocimientos sobre el tema son requeridos para intentar solucionar el problema: "Huyan al sur..."
Lo más destacado: los efectos especiales, of course.
Lo menos destacado: el escaso interés que despierta lo que no son efectos especiales.
La Calificación: 6
Los Increíbles: Cine Familiar de Cinco Estrellas
La productora Pixar ha acumulado un buen puñado de éxitos comerciales y artísticos (desde Toy Story a Buscando a Nemo, pasando -ineludiblemente- por la soberbia Buscando a Nemo, Bichos o Monsters, Inc.) a base de rescatar de las marismas del infantilismo monocorde las claves de un cine familiar cada vez menos estimulante y más ingrato. Esta reformulación lúcida y esforzada de las constantes del cine para todos los públicos (además de convertirse en un producto reconocible de la marca Pixar) ha venido acompañada de un uso cada vez más eficaz de la tecnología de última generación capaz de moldear y dar vida hasta el último cabello de unos personajes que, sin renunciar a su condición de bytes animados, se desenvuelven con una soltura y credibilidad que debiera hacer temblar el establishment de las Agencias de Representación de Actores...
Pero el virtuosismo técnico e infográfico que se desprende del visionado de The Incredibles, no sería nada (algo así como Van Helsing) sin la existencia de un equipo creativo sumamente inspirado, capaz de recrear las aventuras y desventuras cotidianas de este matrimonio de superhéroes obligado por decreto gubernamental a la renuncia de su condición heroica por culpa de los abogados de aquellos que, supuestamente, han resultado damnificados en la batallada labor de estos salvadores de leyenda (Especialmente significativa resulta la demanda que el suicida al que acaba de salvar Mr. Increíble interpone contra su rescatador).
Con ciertos retazos de Spy Kids pero mil veces más imaginativa y mejor resuelta, Los Increíbles nos narra la historia de esta familia de superhéroes quince años después de aquellos sucesos, condenados a sobrevivir en una cotidianidad gris y reconocible, donde las compañías de seguros no dejan de "asegurar" la estabilidad monetaria de sus accionistas y la frustración campa a sus anchas en una mesa de comedor donde tanto Mr. Increíble, Elastic Girl y sus tres hijos (dos de los cuales, con cualidades innatas para la superheroicidad) tienen que aparentar ser aquello a lo que les obliga la sociedad en la que se encuadran, al menos, hasta que el padre de la familia, rebosado de michelines pero terco a la hora de renunciar a su naturaleza, se atreve a retomar - aun a escondidas - la actividad humanista que una vez le definió.
El director y guionista Brad (El Gigante de Hierro) Bird, logra una hábil conjugación de los tiempos cinematográficos, intercalando momentos de hilarante comicidad con una colección de secuencias vibrantes (que alcanzan su apoteosis en el eléctrico clímax final), enunciados mayores construidos para satisfacer a los acompañantes de los niños y otros tantos diseñados para divertir a una platea infantil a la que, quizá, les cueste comprender los primeros.
En fin, los superhéroes, de los de toda la vida, regresan al firmamento filmográfico por la puerta grande gracias a este magnífico film de Brad Bird, desposeído de las servidumbres de la desidia y por ello: festivo, animado y electrizante, que reflexiona sobre la naturaleza humanística del hombre y sobre las losas emocionales que soporta en su cotidianidad y que, por encima de lo demás, se constituye en una de las películas familiares más lúcidas y perspicaces de cuantas se han atrevido a engendrar los marcianos discípulos de la Pixar.
Lo más destacado: la pelea (verbal y física) de Mr. Increíble con el director de la Agencia de Seguros y la terrible funcionalidad dimanante de los extraordinarios poderes de la familia de superhéroes (en especial: Elastic Girl).
Lo menos destacado: Que sea una excepción al estereotipado y arquetípico cine familiar contemporáneo.
Calificación: 9
Pero el virtuosismo técnico e infográfico que se desprende del visionado de The Incredibles, no sería nada (algo así como Van Helsing) sin la existencia de un equipo creativo sumamente inspirado, capaz de recrear las aventuras y desventuras cotidianas de este matrimonio de superhéroes obligado por decreto gubernamental a la renuncia de su condición heroica por culpa de los abogados de aquellos que, supuestamente, han resultado damnificados en la batallada labor de estos salvadores de leyenda (Especialmente significativa resulta la demanda que el suicida al que acaba de salvar Mr. Increíble interpone contra su rescatador).
Con ciertos retazos de Spy Kids pero mil veces más imaginativa y mejor resuelta, Los Increíbles nos narra la historia de esta familia de superhéroes quince años después de aquellos sucesos, condenados a sobrevivir en una cotidianidad gris y reconocible, donde las compañías de seguros no dejan de "asegurar" la estabilidad monetaria de sus accionistas y la frustración campa a sus anchas en una mesa de comedor donde tanto Mr. Increíble, Elastic Girl y sus tres hijos (dos de los cuales, con cualidades innatas para la superheroicidad) tienen que aparentar ser aquello a lo que les obliga la sociedad en la que se encuadran, al menos, hasta que el padre de la familia, rebosado de michelines pero terco a la hora de renunciar a su naturaleza, se atreve a retomar - aun a escondidas - la actividad humanista que una vez le definió.
El director y guionista Brad (El Gigante de Hierro) Bird, logra una hábil conjugación de los tiempos cinematográficos, intercalando momentos de hilarante comicidad con una colección de secuencias vibrantes (que alcanzan su apoteosis en el eléctrico clímax final), enunciados mayores construidos para satisfacer a los acompañantes de los niños y otros tantos diseñados para divertir a una platea infantil a la que, quizá, les cueste comprender los primeros.
En fin, los superhéroes, de los de toda la vida, regresan al firmamento filmográfico por la puerta grande gracias a este magnífico film de Brad Bird, desposeído de las servidumbres de la desidia y por ello: festivo, animado y electrizante, que reflexiona sobre la naturaleza humanística del hombre y sobre las losas emocionales que soporta en su cotidianidad y que, por encima de lo demás, se constituye en una de las películas familiares más lúcidas y perspicaces de cuantas se han atrevido a engendrar los marcianos discípulos de la Pixar.
Lo más destacado: la pelea (verbal y física) de Mr. Increíble con el director de la Agencia de Seguros y la terrible funcionalidad dimanante de los extraordinarios poderes de la familia de superhéroes (en especial: Elastic Girl).
Lo menos destacado: Que sea una excepción al estereotipado y arquetípico cine familiar contemporáneo.
Calificación: 9
Gracias
Comentaros que acabo de consultar la lista de votaciones, ya sabéis, para ese concurso al que a alguien se le ocurrió incluir al Cronicón Cinéfilo en una terna en la que se acabaría premiando al mejor blog periodístico en habla hispana... En fin: El Cronicón Cinéfilo suma 42 votos a su favor. A algunos os parecerá una menudencia en comparación a los más de 2800 votos que acumulan ya nuestros amigos de Casta TV, destacado líder de esta clasificación, pero a mí me parece una cima vindicable, aplaudible y entusiasmante que me obliga a dar las gracias a todos aquellos que han querido perder parte de su valioso tiempo en manifestar su preferencia para con éstas páginas cinéfilas.
Aun quedan 5 días para resolución de dicho concurso pero ya me gustaría resaltar el honor que ha supuesto para este sencillo y personalísimo weblog de cine participar como uno de los diez finalistas en la competición apuntada. Honor que hago extensible a todos y cuantos sienten como propio (y aquí os incluís vosotros) dicho reconocimiento.
Nos vemos en los cines.
Aun quedan 5 días para resolución de dicho concurso pero ya me gustaría resaltar el honor que ha supuesto para este sencillo y personalísimo weblog de cine participar como uno de los diez finalistas en la competición apuntada. Honor que hago extensible a todos y cuantos sienten como propio (y aquí os incluís vosotros) dicho reconocimiento.
Nos vemos en los cines.
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