El Cronicón Cinéfilo

Un concurso de misses infantiles se presenta en el horizonte de una galería de freaks en forma de familia que pasa sus días y existencias a un paso, solo uno, de un precipicio definido por el más infame de los fracasos...

Extraña mezcolanza de los films de Todd Solondz (Bienvenido a la Casa de las Muñecas), Chavy Chase (Las locas aventuras de una familia europea) y Dick Maas (Una Familia Tronada y sus apéndices y secuelas), Little Miss Sunshine se define como una fábula menos perversa de lo que insinúa su introducción (y buena parte de su desarrollo) debido, sobretodo, a un final aparatoso y desperfecto que traiciona, y de qué manera, el espíritu gamberro y trasgresor que animaba a todo lo demás (defendiendo aquello que la había hecho, precisamente, transgresora, esto es: su ataque mordaz al estamento familiar que finalmente se queda en anecdótico).

Es el principal demérito de esta película independiente que basa su eficacia en la complicidad/comicidad dimanante de unos personajes construidos en torno al socorrido recurso del cliché, eso sí, con bastante fortuna sobretodo en la composición de los caracteres de todos los miembros de la familia, cuyas singularidades [ a) el tipo fracasado que se dedica a dar conferencias sobre el éxito; b) la madre de familia que absorbe y canaliza los problemas del los demás ; c) la niña acomplejada que sueña con convertirse en modelo; d) el adolescente nihilista que renuncia a su propio habla a modo de vindicación; e) el abuelo necio que sofoca los achaques de su edad con caseros aliños de droga; y f) el tío -es decir, el hermano de la madre- homosexual y con tendencias suicidas al que no pueden dejar sólo...] no solo quedan definidas (con brillantez) en las primeras secuencias, sino que por su carácter estrambótico, casi surrealista, se rebelan provocadoras de no pocas situaciones cómplices (ocasionalmente, desternillantes), sobretodo cuando entra en escena la séptima y última protagonista de esta historia: una furgoneta carpetovetónica que concentra y centraliza los momentos más divertidos de toda la película.

Sin embargo, y como se ha dicho, buena parte de su espíritu insolente queda abandonado en la segunda mitad del film, una vez que los personajes se saben imposibilitados para superar su condición de meros arquetipos y, por tanto, incapaces de desarrollar sus caracteres más allá de los prerrogativas que exige la más previsible de las convenciones. Sorprende esto, ya veis, en una estructura de road movie cuya función cinematográfica suele identificarse con el desarrollo emocional de los personajes o su autoconocimiento que no es que no suceda o no suceda en los términos previstos, sino que acontece con formas y manifestaciones que contradicen/erosionan los postulados expuestos en su propia génesis argumental.

Pequeña Miss Sunshine es, en fin, una película fallida pero divertida, previsible pero soportable, que analiza el sueño americano y a través de él a su principal sostén, el estamento familiar, con un moderado optimismo a pesar de la mordacidad y negritud definitorias de algunas de sus soluciones dramáticas, que sabe sacar partido de sus personajes y de los roles que les asignan (gracias, por descontado, al buen trabajo de los actores y, en especial, de la niña protagonista, en verdad una de las sorpresas de la película), que se sabe irreverente, a ratos displicente pero también iterativa y machacona a pesar de presentarse como una especie de candidata a película sleeper del trimestre, quizá futura protagonista de cierto ceremonial con estatuillas doradas de por medio... Es, podéis imaginarlo por lo antedicho, una película que sobrevivirá al primer fin de semana (también al segundo y al tercero...) pero no a un análisis riguroso ni exigente... precisamente por la conjugación impropia de algunas de las taras antedichas.

Lo más destacado: su (autoconsciente) falta de pretensiones.

Lo menos destacado: Que no lleve al extremo algunas de sus propuestas más radicales.

Calificación: 6,5

Bibliografía digital:

La web, tantas veces dichosa, nos ofrece una excelente colección de páginas y artículos dedicadas al análisis de la controvertida filmografía de David Cronenberg y, naturalmente, de una de sus películas más audaces: Videodrome.

Esto que sigue a continuación no son sino otros puntos de vista, análisis, disecciones, reviews, reportajes, comentarios, críticas... seleccionados, naturalmente, para un lector como tú, ansioso por ampliar el espectro del conocimiento sobre esta película. Aquí van más de trescientas páginas: no es un libro colectivo pero podía serlo. Lo que sí estoy seguro es que os gustará.

Ensayos y Tesis:

             “David Cronenberg: La carne real y la Monstruosa”,  Alan West Duran. Miradas EICTV. 2005

La Frase: “En Videodrome, lo virtual es visceral, abyecto. Buñuel dijo que “el erotismo es un placer diabólico que se relaciona con la muerte y la carne en descomposición.” Cronenberg, con su humor macabro y capacidad para transformar los cuerpos con una poética temible, destaca lo abyecto.”

             “Las extensiones de los medios en el film Videodrome de David Cronenberg”. Leonardo Díaz Bouquillard.  Pasadizo.com y Henciclopedia.com

La Frase: “La constante de Cronenberg es una exploración de cómo los medios tecnológicos están constantemente al servicio de propósitos humanos y de sus transformaciones psíquicas y fisiológicas. En otras palabras, la tecnología al servicio del hombre y productor de sus principales cambios, que los conducen hacia otros estadios”.

             “Cuerpo, Ciencia, Arte y Vanguardia”. Tesis Doctoral de Maximiliano Corti. Universidad Nacional de la Plata. Facultad de Bellas Artes. 2001.

La Frase: “Dos doctrinas se fusionan para generar esta obra (Videodrome). Por un lado, el idealismo, el esse est percipi, el solipsismo, el mundo como percepción, presente en el Quijote, en la caverna de Platón, en los empiristas ingleses, en Naked lunch, en eXistenZ, en M. Butterfly...Por el otro, las teorías de Marshall Mc Luhan: la televisión como nueva tecnología opuesta a la tecnología de la imprenta, la tecnología como extensión de los sentidos del hombre, la revolución a través de la tecnología, la televisión como alteración del ámbito en que vive el hombre, la “orientalización de Occidente”, la televisión como oposición a la percepción renacentista...”

             “Nueva carne y psicología: el ejemplo cinematográfico de Cronenberg”. José-Carlos Loredo, Jorge Castro, Belén Jiménez e Iván Sánchez. Universidad Nacional de Educación a Distancia (Madrid); **Universidad de Barcelona

La Frase: “La legitimación estética de la representación de lo inquietante hunde sus raíces históricas en el romanticismo. Formalmente hay, sin duda, numerosos antecedentes de reproducción artística de lo feo, pero lo que importa es el nuevo significado que esta clase de representaciones adquieren en el siglo XIX, cuando la propia idea del arte ligado a la utilidad religiosa o decorativa y al virtuosismo técnico comienza a descomponerse en favor de una libertad creativa que permite despegarse de la idea burguesa y contemplativa de lo bello y representar todas las facetas de la vida humana.”

             “David Cronenberg y la Nueva Carne: El poderoso abrazo de la abyección maquínica” de Fabián Giménez Gatto. 

La Frase: “Las bodas contra natura del metal y la carne trazan el campo semántico del terror corporal, las preocupaciones por la inhumanidad que resulta de un desarrollo tecnológico que se nos escapa de las manos están presentes en la mayoría de estos filmes, donde las pesadillas post-industriales nos muestran cuerpos mutilados, penetrados y, aunque parezca extraño, sodomizados en rituales tecnológicos no carentes de erotismo”.

             eXistenZ de David Cronenberg: Ciberficciones para la posthumanidad. BORRÀS, Laura (2003). "eXistenZ, de David Cronenberg: ciberficciones para la posthumanidad". Digithum  [artículo en línea]. UOC. Núm. 5.
ISSN 1575-2275 

La Frase: “sus películas forman parte del grupo de prácticas intelectuales y artísticas que repiensan el cuerpo humano a medida que éste va siendo reconstruido por los avances en ingeniería genética y en robótica"

Críticas:

             “Videodrome (Videodrome)”, crítica de José Antonio López Vigo. Pasadizo.com.

La Frase: “Viendo lo frío y lo vacío del apartamento y de la existencia anterior del protagonista, no es de extrañar que prefiera pasarse al otro lado, donde al menos le esperan tentadores los labios de Deborah Harry. Larga vida a la Nueva Carne”.

             “Videodrome: Larga vida a la Nueva Carne”, de Beatriz Martínez. Miradas.Net.

La Frase: “Cronenberg recrea alrededor de esta adicción un universo malsano, degenerado, sumamente erótico y perverso, en el que el voayerismo se convierte en una obsesión perversamente amoral, pues la enfermedad de la carne se encuentra íntimamente unida a la enfermedad de la psique, verdadera productora de los monstruos y deformidades que habitan el lado más tenebroso de la conciencia humana”

             “Videodrome (Videodrome)”, crítica de Pablo del Moral. Cineencanto.com

La Frase: “Uno de los personajes de "Videodrome" dice: "La televisión es la retina del ojo de la mente": no sólo es la expresión de la conciencia colectiva, sino la herramienta con la que se puede manejar tal conciencia, alterándola para beneficio de quien controla el medio. Y en esta época de "programas de realidad", presidentes fotogénicos, noticieros partisanos y opiniones controladas, nunca está de más recordar los peligros de los medios masivos. Tal vez no nos inserten un videocassette en el estómago, pero ciertamente pueden alterar nuestras opiniones y actitudes”

Entrevistas:

             “En sus propias palabras”.  Entrevista de Marco González Ambriz. Revista Cinefagia. 2003.

La Frase: “El cine de género es algo interesante. Te puede cobijar. Pongo el ejemplo de The Fly. Si hubiera intentado hacerla como una película dramática habría sido imposible conseguir el financiamiento porque en esencia se trata de dos personajes en un cuarto: son dos amantes muy atractivos, uno de ellos contrae una terrible enfermedad y muere lentamente frente a su amada, que le ayuda a suicidarse. Sería imposible conseguir que alguien financiara esa película pero al presentarla como una película de terror o ciencia ficción, con tecnología y mutaciones, se transforma en una historia de amor.”

             “Cine y Ciencia en busca de la condición humana”. Entrevista de Eduard Punset a David Cronenberg. Programa “Redes”. RTVE, 

La Frase: “En muchas de mis películas trato el tema de que en la percepción humana no existe nada más que subjetividad: todo es subjetivo. Incluso filósofos como Kant ya se habían dado cuenta de esto: toda la información que percibimos está estructurada y mediada por el cerebro, pero éste no se basa en tanta información, comparada con la que sabemos que es posible. Por eso hemos inventado máquinas, para poder ampliar los oídos, la vista, la boca. Nuestra tecnología es un intento de ampliación de nosotros mismos. Intentamos proyectarnos en el mundo y retroalimentarnos para poder percibir de alguna manera lo que no podemos percibir directamente. De forma que cuando las personas hablan de la tecnología en oposición a lo humano, creo que se equivocan completamente. Sólo existe lo humano, lo humano, la única tecnología es la tecnología humana”.

             “La religión: el Dios de la incertidumbre”. Entrevista de Eva Loste a David Cronenberg.

La Frase: “La idea que pueda haber una vida después de la muerte significa que es posible matar a alguien y pensar que no es tan terrible porque esta persona seguirá estando viva en el más allá. Es una filosofía muy peligrosa y de lo más antihumana. Es un modo de evitar contemplar a los humanos como realmente son.”

Análisis de la obra de Croneberg:

             David Cronenberg. Especial Miradas de Cine. Varios Autores.

             David Cronenberg, salve la Nueva Carne. Tumbaabierta.com.  Er Gore, 2001.

             El Cine de David Croneberg. Encadenados.

Y el monstruo se volvió mito.

La tarde de hoy me trajo una par de recuerdos inexorables:

a) el de un poema inolvidable que los labios y voz de Neruda dotan de una matiz, definitivamente, mítico y doliente....

[leer poesía ]

[oír poesía ]

b) Y las últimas (y vaticinadoras) palabras de Allende:

"...Éstas son mis últimas palabras, teniendo la certeza de que el sacrificio no será en vano. Tengo la certeza de que, por lo menos, habrá una sanción moral que castigará la felonía, la cobardía y la traición."

 

Y en Cine, la Batalla de Chile de Patricio Guzmán, por supuesto.

Ciertamente lo deciden todo: la ropa que debes llevar, lo que vas a ver en la televisión, lo que vas a consumir a fin de mes. También deciden lo que puede o no puede comerse. Y entonces me acuerdo del Anisakis, que podría haber sido un político chipriota y que ha resultado ser un gusano (insisto, no hay metáforas: no-es-un-político) que habita en el estómago de algunos peces para que nosotros, ocasionales consumidores de pescado, tengamos la prevención de evitar aquellos restaurantes que se salten a la torera la prohibición de congelar los alimentos frescos.

En realidad, las alertas públicas sobre alimentos defectuosos o susceptibles de provocar alguna enfermedad van variando en función de la demanda o no del producto o de la necesidad (es decir, de la necesidad del mercado en cuestión) de promocionar una alimentación alternativa o para regenerar el consumo de un producto en recaída. Normalmente, las alertas alimenticias afectan al mercado cárnico poniendo especial énfasis en los riesgos derivados del consumo del alimento por causa de unas extrañas enfermedades que tienden a aparecer y desaparecer en el tiempo cuál fantasmas enfermos de alzheimer. Granjas de conejos, ovejas, vacas, aves y pollos (precocinados o no) se ven regularmente perturbadas por la irrupción alarmista de un buen número de noticias en prensa cuyo efecto mediático, contrariamente, tiende a difuminarse (a desintegrarse más bien) en cuanto se acercan aquellas fechas en las que toca promocionar un consumismo de índole incontrolable...

Decía que estas navidades toca carne y no pescado, además de sentar a otro pobre en tu mesa... en el supuesto de que entre tanto gasto y descontrol no hayas empeñado ya la mesa. No te apures si no lo has hecho. La solidaridad también es un concepto mercadotécnico.

En estas, sigo yo esperando el estreno de Banderas de Nuestros Padres: una película que ya ha visto y enjuiciado medio mundo y que extrañamente no llegará hasta nuestras pantallas hasta el mes de febrero, es decir, tres meses después de la fecha de estreno inicialmente prevista.

¿Y por qué? Por el anisakis, estoy seguro.

...la oculta Gizmo en su seno... 

...con unas alitas de pollo de por medio. Dante y sus metáforas. 

Podía ser una inocentada...

Pero no... Esto es lo que hay. Lo mismo que había hace un año, es decir, la misma Guerra, los mismos fines, y la misma película de aroma clásico en la que únicamente mueren (y sufren) los secundarios. 

1) Hijos de los hombres: La película de género más sorprendente, vibrante y dinámica de la década deja en la retina unos planos secuencias de vértigo, un desarrollo emocional apasionante y la sensación perpetua de estar presenciando una obra de gran trascendencia histórica. Su densidad formal termina por definir a esta cinta, claramente dichosa, cuyo atrevimiento técnico y coherencia argumental sobrepasa el trámite de su calificación mayestática. La película del año.

“Los subplots que lo contextualizan: la represión al emigrante; las guerras desmedidas; las capuchas sobre las cabezas de unos presos que no se sienten presos... nos recuerdan, además, que estamos en presencia de una película que se acuerda de sus fuentes y argumentos, que busca en la exploración del futuro una respuesta, a modo de reflexión, que explique nuestra más severa actualidad. Pretensión que también define a una película que pronto se habituará a resistir cualquier análisis al margen del gusto personal. Es lo que tiene ser y nacer con aires y apostura de Obra Maestra.”

1) El Castillo Ambulante: tardíamente estrenada en España, la última película de Miyazaki conserva lo mejor de un Cine especialmente comprometido con ofrecer al espectador aquello que anhela, dándole lo que quiere y más aún: proponiendo soluciones argumentales lúcidas e imaginativas (presentes –la puerta mágica- o no –la guerra perenne- en la novela en la que se basa) en el marco de una cinta infantil, sí, pero de raigambre antibelicista y comprometida; pilares, más que gozosos, sobre los que se sostiene este bello y emotivo canto a la amistad y a un Cine, fundamentalmente exquisito, de texturas clásicas y eviternas.

“El derroche creativo presente en El Castillo Ambulante, en fin, se resuelve inabarcable, no ya de un solo vistazo, sino en posteriores visionados de una historia que se mueve en torno a varios niveles de entretenimiento en función de la edad e intereses del espectador. En este sentido, El Castillo Ambulante obtiene la misma eficacia en el apartado grandilocuente (con esos vuelos majestuosos, con esos acorazados directamente salidos de un manual steam) como en el detallista (donde los objetos y las prendas de vestir adquieren un papel, eminentemente, protagonista), creando una sinergia evocadora, contenedora de momentos plenamente deslumbrantes (que quizá formen parte de lo mejor de la filmografía de Miyazaki) y de otros tantos menos dichosos (pero que no dejan de ser sobresalientes) que compensan la abrumadora sensación de estar contemplando otra obra maestra”.

2) Munich: la actualidad de oriente medio examinada a partir de uno de los acontecimientos históricos que lo definieron. Una película vibrante, multifacetada, y política que, con pocas dudas, se rebela como la película más arriesgada de su director. Por lo que a mí respecta: la  sorpresa positiva del año. 

“...a Spielberg le da tiempo a conjugar en un mismo espacio fílmico sustratos genialoides de cine de acción con dramas existenciales de aires redentores, retazos de ingobernable thriller político con docudramas manieristas de discurso árido, fragmentos de un cine personalísimo, en fin, que hacen de Munich una obra superlativa a la altura del mejor cine de su autor, una obra de madurez arriesgada e imperecedera, que reflexiona sobre la violencia desde términos asertivos, que no da respuestas pero si deja interrogantes dolorosos, que rehuye de su condición de cine de consumo para mostrarse descarnado y contundente al calor de una historia necesaria para comprender, entre otros asuntos, por qué el mundo es hoy... lo que es”

3) Syriana: Gaghan no deja títere con cabeza en esta aguda reflexión sobre la actualidad y los intereses ocultos que la sostienen. Una película, absolutamente, contracorriente.

“Syriana se resuelve como una cinta de espionaje de aires pesimistas y conspiranoicos, que analiza, con una gran profusión de datos y personajes, la situación del oriente medio actual en alguna de sus variables más controvertidas, controvertibles y subrepticias. Una obra de denuncia disfrazada de película coral transfronteriza, que admite más de una lectura y deja abiertos numerosos interrogantes para que la tertulia posterior a su visionado complemente el entendimiento y el disfrute de esta cinta que, por lo demás, presume de una excelente (y envidiable) factura técnica”.

3) V de Vendetta: Quizá la película más controvertida de esta selección también representa una reformulación de los mitos superheróicos: no se trata de liberar a un pueblo sino de sembrar los mimbres de una venganza ampulosa. Y a pesar de ello, todavía logra funcionar como fábula moral.  

“Película arriesgada, visceral, combativa, antisistema y contracorriente... Fábula distópica de perfil orwelliano, exaltación subversiva del poder del individuo frente a un aparato político opresor, manipulador, pararreligioso y segregacionista, en fin, V de Vendetta indaga sobre los vericuetos indeseables a los que se ven empujados algunos dirigentes incapaces de recordar quiénes fueron, para quién trabajan y a quién sirven... como ajustado contexto de una historia idealista, idealizada y romántica, presta y dispuesta para paladares con dos dedos de frente y un espíritu (aun) rebelde bajo la almohada.”

Menciones especiales:

A)      A Slither: Nunca una película tan mala me había divertido tanto. Por momentos, temí haberme convertido en un auténtico freak.

B)      A El Laberinto del Fauno: Película irregular pero personalísima, se queda a medio camino de todo pero no deja indiferente. Es, claro, un punto de inflexión en la carrera de un director demasiadas veces sobrevalorado.   

C)    A Poseidón: Cine de catástrofes en formato hiperbólico e hipervitaminado. No hay argumento ni pretensión de tenerlo. Y los muertos se acumulan por doquier. Wolfgang Petersen, por fin, ha comprendido el concepto de la transgresión ¡en las mismísimas entrañas del mainstream!

Y es que nunca es tarde, camaradas. Feliz entrada de año.